En un mundo de desenfrenos y abusos

Por Mireya Flores Marín* (@MireyaFloresM)

La historia de Lewis Carroll “Alicia en el País de las Maravillas”, que en su momento ofreció una crítica a la sociedad inglesa del siglo XIX, y que hasta nuestros días tiene suma popularidad, sirve al dramaturgo y director de teatro Luis Santillán como intertextualidad para presentar la problemática actual sobre la violencia sexual.

Alicia es una joven que, como cualquier otra chica de su edad, “sólo quería ir a la fiesta”, sin embargo, un desafortunado acontecimiento hace de esa ilusión una pesadilla. Alicia es agredida sexualmente, y a partir de ello comienza un viaje onírico hacia un mundo de desenfrenos, donde se encontrará escapando de diversas situaciones y personajes que representan una manera excesiva y libertina de vivir la sexualidad; la obsesión por el cuerpo perfecto, orgías y prostitución, son algunos de los sucesos que Alicia presenciará, siempre desde una mirada temerosa, tímida e inocente.

La relación entre el cuento de Lewis Caroll y la historia de “Alicia” es interesante, ya que se consigue rescatar el mundo alucinante del texto original, además de pasajes y personajes bien conocidos como el de la Reina de Corazones, la Oruga y el Conejo Blanco; sin olvidar que ambos hacen una crítica a la sociedad de la que provienen.

Asimismo, hay una clara y definida propuesta estética que se acerca al mundo de la fantasía, del fetichismo e incluso parecieran ser personajes sacados de un anime. El concepto es reforzado por la iluminación en tonos fríos y chillantes; no hay escenografía, pero la atención se centra en el vestuario, donde, vestidos infantiles, corsets, medias, ligueros, encajes, tacones y demás, permiten significar los múltiples atuendos del deseo. Destaca el uso del coro para acentuar los ambientes y sensaciones, incluso llega a ser un elemento de contraste en medio de escenas de suma violencia.

“Alicia” aborda la violencia sexual que desde la sociedad se comunica y se permite, vivimos en un mundo donde el cuerpo es un objeto a disposición y apruebo de los otros. Sin embargo, hay una saturación de elementos que tergiversan el mensaje, de repente es mucho sexo, mucha música, mucho baile, mucha carne. Todo eso cansa porque a mitad de la obra hemos entendido que estamos inmersos en una sociedad de excesos, en un burdel. Para comunicar el mensaje “mi cuerpo es mío y de nadie más” se pueden equilibrar los componentes, encontrar el momento idóneo para exponer esa idea, más allá de ensalzar las perversiones; con ello no se habría tenido la necesidad de concluir la obra con discursos didácticos y cifras que pudieron quedar expresados en el desarrollo de la trama.

ALICIA
Dramaturgia y dirección: Luis Santillán
Elenco: Natalia Alanis, Melanie Borgez, Guiureni Fonseca, Alexa Martín, Daniela Montero, Jheraldy Palencia, Zaira Rocha, Betty Ruiz, Zayra Solano.
Martes 20:00 hrs.
Hasta el 9 de septiembre 2014
Centro Cultural de la Diversidad
Colima 267

*Mireya Flores es Máster en Artes Escénicas por la Universidad de Vigo, España; tiene un posgrado en Políticas y Gestión Cultural con la especialidad en Producción y Difusión de Espectáculos Escénicos por la Organización de Estados Iberoamericanos (OEI) y la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM); es Licenciada en Ciencias de la Cultura por la Universidad del Claustro de Sor Juana. Además, tiene formación en danza y en teatro.

¿Y por qué luego no quieren ir al teatro?

Por Pablo Iván García (@garciapabloivan)*

El Foro Shakespeare nos tiene acostumbrados a un amplio espectro en cuanto a su oferta escénica, que resulta siempre diversa y heterogénea. Sin embargo llama la atención que, en el caso de “Laila”, no se le advierta al espectador que está comprando un boleto para ver una obra de manufactura y alcances estrictamente estudiantiles -en el sentido menos halagador del término estudiantil-.

Este unipersonal resulta un conglomerado de escenas sin ningún hilo conductor, esbozadas a partir de la idea primigenia de una “hot line”. Desterrado del imaginario popular desde la década de los noventa, el mítico status de las “líneas calientes” sugería la idea de una mujer -de voz atractiva- contestando llamadas eróticas a interlocutores anónimos, por dinero.

No hay más anécdota. Adriana Burgos (Laila) se divierte a sí misma a lo largo de sesenta minutos, realizando una y otra vez trazos idénticos sobre el reducido escenario -que representa su departamento de aspirante a pintora-, mientras cumple una a una las estereotipadas y predecibles fantasías de diversos hombres y mujeres. Las voces grabadas de sus clientes -carentes de una ecualización correcta- se ilustran, además, en un televisor.

El insufrible leitmotiv de la obra es el ring del teléfono. Laila -mujer en sus treinta, no demasiado atractiva, sin pareja sentimental y que, a decir de su madre, no es más que una perdedora- deberá atender a múltiples solicitantes, desde un adolescente con gusto por los transexuales, pasando por una lesbiana en ciernes, hasta llegar a un enfermo terminal en busca de consuelo.

Carente de un trabajo de dirección escénica y con un libreto realmente pobre en cuanto a estructura y construcción de personajes, algunos diálogos y expresiones de Burgos podrán parecer divertidos, para los espectadores poco avezados en la comedia. Laila es, sin duda, un montaje con muy poco rigor profesional.

LAILA

Dramaturgia: Renato Guillén

Dirección: Omar Quintanar

Con: Adriana Burgos

Foro Shakespeare

Zamora 7, Col. Condesa

Viernes 20:30 hrs.

Hasta el 17 de octubre

*Dramaturgo.

La embriaguez del desconsuelo

Por Mireya Flores Marín* (@MireyaFloresM)

Dicen que las apariencias engañan y esto quedará demostrado cuando llegue el amanecer; cuando después de una velada vertiginosa, Martha (Blanca Guerra), Jorge (Álvaro Guerrero), Nicolás (Sergio Bonilla) y Linda (Adriana Llabrés), personajes de “¿Quién teme a Virginia Woolf?”, se despojen de aquel antifaz que sólo les sirve para combinar con su ropa fina, con un lujoso departamento, con un prestigioso titulo profesional y con una aparente vida exitosa.

Después de una fiesta en la universidad, Martha, quien es hija del rector, junto a su marido Jorge, un profesor de Historia, reciben en su casa al joven matrimonio compuesto por Nicolás, el nuevo profesor de Biología, y Linda, una mujer frágil y enfermiza. Así, entre copa y copa, la velada es amenizada por una serie de juegos desalmados que exponen las debilidades de un matrimonio de más de veinte años. Si bien, el alcohol va y viene en las escenas, no es éste el detonador de esta cruel jugarreta, sí lo son las emociones que ahogan a los personajes, las derrotas y los desconsuelos de unas vidas que no son como algún día quisieron.

Las actuaciones son destacables y esenciales para dar solidez a esta obra. Blanca Guerra lleva la batuta de la trama representando a una mujer de carácter fuerte; si bien, al inicio un poco fingida en su estado de ebriedad, pronto consigue la mesura y llena de matices su rol, alcanzando momentos de impacto hacia el final de la historia. Álvaro Guerra es un maestro al representar la frustración de manera muy inteligente y siempre cautelosa, es una actuación que sorprende constantemente por lo bien que adopta los giros de su personaje. Por su parte, Sergio Bonilla y Adriana Llabrés replican óptimamente a la experiencia histriónica de sus compañeros en escena.

Dirigida por Daniel Veronese, “¿Quién teme a Virginia Woolf?” es un montaje explosivo donde los límites son rebasados por los personajes, quienes nos permiten conocer el lado feroz del ser humano, éste tan capaz de dañar a quien ama. Con personajes definidos de manera meticulosa y con el buen manejo del ritmo y del tono de cada situación, nos adentramos en el interior no sólo del hogar de Blanca y Jorge, sino también de sus emociones, sus frustraciones como personas y como matrimonio. Sus contrapartes Nicolás y Linda, nos permiten descubrir que más allá del amor existen intereses personales que te conducen a unir tu vida a la de alguien más, sin importar la desdicha en que eso se convertirá.

Se trata de un montaje que permanece fiel al texto del dramaturgo Edward Albee, y a la esencia del teatro realista norteamericano; con una escenografía sumamente detallada y un vestuario elegante que acentúan el estatus social de los personajes, además de las acertadas actuaciones se consigue una obra bien realizada que muestra que el teatro también se hace por el capricho de hacerse, pues más allá de eso no encuentro una propuesta o pertinencia para este montaje en nuestro contexto mexicano actual; sin embargo es un trabajo que se disfruta, porque el teatro también es sólo para disfrutarse.

¿QUIÉN TEME A VIRGINIA WOOLF?
Autor: Edward Albee
Dirección: Daniel Veronese
Actúan: Blanca Guerra / Alvaro Guerrero / Sergio Bonilla / Adriana Llabrés
Viernes 20:45 hrs., sábados 18:30 y 21:00 hrs., domingos 17:30 hrs.
Foro Cultural Chapultepec

*Mireya Flores es Máster en Artes Escénicas por la Universidad de Vigo, España; tiene un posgrado en Políticas y Gestión Cultural con la especialidad en Producción y Difusión de Espectáculos Escénicos por la Organización de Estados Iberoamericanos (OEI) y la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM); es Licenciada en Ciencias de la Cultura por la Universidad del Claustro de Sor Juana. Además, tiene formación en danza y en teatro.

El último baile con el amado fantasma

Artemisa Téllez*

En la habitación obscura, momentos antes de dormir el sueño definitivo, una Carlota anciana repasa su propio itinerario de violencia, amor, delirio y su aventura en un imperio mexicano que se desplomó llevándose al único amor de su vida. Carlota recuerda a Maximiliano antes y después de la llegada a México, se mira a sí misma rejuvenecida, enamorada, traicionada y después golpeada por esa viudez desoladora y prematura que la acompañó durante cincuenta larguísimos años.

Adiós, Carlota es un espectáculo de marionetas hiperrealistas con piano en vivo. La ausencia total de diálogos y narrador posibilita no sólo la imaginación, sino el que pueda ampliarse inclusive a un público que no sepa español. Conocer la anécdota sobre Carlota, emperatriz de México, es sólo un ingrediente en la apreciación de esta bella pieza surrealista, pero no un requisito. El hermoso escenario y la locación toda (el bosque, el castillo, el aljibe), transforman este montaje en una experiencia integral y profunda, una inmersión en esta historia que aún contemplando no podemos definir.

Original de Gerardo Ballester Franzoni y dirigida por Artús Chávez, Adiós, Carlota es una hermosa alegoría erótica y mística acerca del reencuentro con los grandes amores que se nos adelantaron.

Adiós, Carlota
Hasta el 10 de agosto
Castillo de Chapultepec
8, 9 y 10 de agosto 20:30 hrs.
Adolescentes y adultos
$250

*Escribidora, tallerista y teatrohólica

Autobiografía de una variable

Artemisa Téllez*

Alguien murió y antes de eso -podemos inferir- había vivido. Como vivió tuvo que haber nacido de alguien y haber tenido un cierto tipo de relación con esas personas, relación que, desde luego, marcaría el tono de sus relaciones posteriores… La variable muestra un lugar intermedio entre algo que está vacío y algo que está lleno: “alguien” no es una persona en particular descriptible, definible, cognoscible; pero tampoco es “nadie”, la negación del ser, “nada”.

La matemática ha jugado bellamente con esta indefinición, “alguien” llamado “x” en la mayoría de los casos, no es un desconocido, sino fundamentalmente  un alguien a ser conocido, descubierto en su valor; develado. El objetivo último de “x” en todo algoritmo es ser adivinado por el otro, no de manera aproximada, sino exacta. Esto, en lenguaje de improvisación teatral, es lo que busca X ha muerto.

Cuatro personajes en escena: dos femeninos, dos masculinos, cuatro sillas, una pantalla y una enorme cantidad de pares de zapatos… ¿La historia? Todavía está por escribirse…

X ha muerto
Hasta el 31 de agosto
Foro del Tejedor
Domingos 18 hrs.
Adolescentes y adultos
$150

*Escribidora, tallerista y teatrohólica

Sueños que se quedan en el camino

Por Mireya Flores Marín* (@MireyaFloresM)

El reencuentro entre madre e hija es la causa que trae a escena un sin número de retratos que oscilan entre lo real y lo onírico. La hija partió a Nueva York en busca del sueño americano y después de muchos años regresa -tal y como lo prometió- a su tierra de origen, no para quedarse, sino para llevarse consigo a su madre.

Ese regreso significa el encuentro con las raíces, esas que se quisieron arrancar súbitamente pero que siempre tienen para seguir brotando en lo más profundo de cada uno; es una vuelta hacia lo que uno quisiera negar por ser doloroso: duele la patria, duele la madre, duele la familia, duelen los amigos, y duelen los sueños. Ahí, pueblo en olvido, no hay tiempo ni espacio para hacerse de una vida, el viento ha arrasado con todos, los ha llevado “al otro lado” donde dicen que es posible soñar con la libertad de ser y hacer: “allá voy a aprender, voy a trabajar, voy a tener hijos”.

En medio de la noche, ambas reviven el pasado, y en un intento por conciliarse con su tierra, la madre, quien además es dueña de un circo, junto con su asistente mago o chamán muestra a la hija diversas escenas de cine y actos de magia que buscan conmemorar al Zapotito alegre que ya no es posible ver. Estas escenas otorgan a la puesta momentos emotivos y de ensueño al representar escenas del cine mudo con la expresión física y sensible propia de estos filmes. Lo mismo sucede con la representación de los actos de magia, a través de los cuales se rescata una tradición popular sobre la mitológica existencia de fenómenos como el de la mujer serpiente. La parte más ágil de la puesta. Sin embargo, ese mundo extraordinario del cine y el circo, quedan atrás cuando la historia da un vuelco y nos sorprende: cruzar la frontera es una aventura que pocos consiguen, dicen que es cuestión de suerte.

Escrita por Verónica Musalem y dirigida por Hilda Valencia, “Nueva York versus el Zapotito”, cuenta con varios elementos destacables, uno de ellos es exponer la migración desde la experiencia femenina para hablar de las muchas razones que llevan a las personas a dejar su pueblo y su familia en busca de una vida mejor, reforzado al abordar la cuestión de los lazos sanguíneos. También, a través de la relación madre e hija, la obra muestra las diferencias generacionales entre ellas y cómo los gustos, las actitudes y los anhelos son diferentes entre una y otra, tan claro como que antes las mujeres decían sí a todo, y ahora cuestionan, encaran y emigran.

La música que acompaña la puesta es fundamental y de lo más disfrutable de inicio a fin. Asimismo, sobresale la actuación de Rosario Zúñiga quien consigue matices perfectos entre las diferentes etapas y facetas de su personaje, así nos presenta tanto a una mujer casi bruja, a la alegre dueña de un circo, a la joven que solía ser y a la vieja que sufre el adiós de su hija. En cuanto a la actuación de María Teresa Paulín Ríos debo decir que en algunos momentos me pareció desmesurada, siendo un poco exagerada en tono vocal y en expresión física. Por su parte, Duane Cochran muestra el manejo de la expresión corporal al representar a un mago que también puede ser un chamán, los movimientos de su cuerpo casi animalescos; sin embargo el manejo de su voz y dicción entorpecen un poco su personaje dándole una apariencia muy plástica.

El espacio escénico construido de manera sencilla y en tonos sepia, evocando el recuerdo y la tierra, nos lleva de vuelta al origen. Las montañas de la Sierra oaxaqueña enmarcan el espacio de representación, más allá de éstas, en el fondo, se puede vislumbrar el camino hacia “la libertad”: Nueva York. La puesta se complementa con maletas que representan el viaje y todas las esperanzas, sorpresas o desilusiones que se puedan llevar en ellas, y utilería que permite a los actores desempeñar diferentes roles.

El trazo escénico nos recuerda los antagonismos, como lo que da título a esta obra; dividiendo el espacio en dos planos donde cada uno servirá para exponer lo que cada lugar tiene para nosotros. El Zapotito como tradición, raíz, recuerdo, y Nueva York como novedad, esperanza y supuesta libertad.

NUEVA YORK VERSUS EL ZAPOTITO
Autor: Verónica Musalem
Dirección: Hilda Valencia
Elenco: Rosario Zúñiga / María Teresa Paulín Ríos / Duane Cochran
Musiclización: Ulises Martínez
Martes y Miércoles 20:00 hrs.
Hasta el 27 de agosto 2014
Teatro Sergio Magaña

*Mireya Flores es Máster en Artes Escénicas por la Universidad de Vigo, España; tiene un posgrado en Políticas y Gestión Cultural con la especialidad en Producción y Difusión de Espectáculos Escénicos por la Organización de Estados Iberoamericanos (OEI) y la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM); es Licenciada en Ciencias de la Cultura por la Universidad del Claustro de Sor Juana. Además, tiene formación en danza y en teatro.

PERSONAL Y AUTÉNTICO

Por Pablo Iván García (@garciapabloivan)*

Con un fino discurso escénico a cargo de David Jiménez y la probada capacidad actoral de Antón Araiza, “Bambi Dientes de Leche” es un viaje exprés a un pasado reconocible; la historia de un país, el aroma de una época, en la óptica de un niño de cinco años.

Un monólogo plagado de certezas sobre los sinsabores de la vida. El protagonista, a pesar de su corta edad, comienza a sentirse inconforme con el mundo que le rodea: “no me gusta mi fiesta de cumpleaños, no me gusta el futbol, no sé cómo decírselo a mis padres”.

Con una correcta construcción -en cuanto a creación de personaje y formulación de conflicto dramático-, “Bambi Dientes de Leche” es un texto que otorga lo necesario para que Araiza soporte en sus hombros un universo de imágenes, con el uso mínimo de elementos sobre el escenario.

Una de las escenas más logradas es cuando el niño tiene que “enfrentar” a su padre luego de un partido de fútbol entre fuerzas menores: un trapeador goteando resume su crítico estado emocional. Aciertos en el trabajo de Raúl Castillo como iluminador y escenógrafo.

A nivel actoral, los momentos más destacados se dan cuando Araiza encarna a varios personajes que hablan entre sí: una verdadera locura ver al entrenador hablarle a sus muchachos de ocho años de edad sobre lo que deben hacer en la cancha: “¡allá afuera a un público que muere por verlos, ustedes son actores sobre un escenario!”.

El personaje principal va sufriendo una transformación, lo que otorga por supuesto un sentido de unidad al montaje: descubre ciertas verdades que lo harán realizarse como individuo. “Bambi Dientes de Leche” es un discurso escénico personal y auténtico que nos hace recordar la importancia de la infancia como fase definitoria de nuestra existencia.

BAMBI DIENTES DE LECHE
Dramaturgia: Antón Araiza
Dirección: David Jiménez Sánchez
Con: Antón Araiza
Central Chopin
Álvaro Obregón #302-A esq. Oaxaca,
Col. Roma
Miércoles 8:30pm
Hasta el 8 de octubre
Duración: 60 mins.

*Dramaturgo

Pasiones prisioneras e ingenuos enredos

Por Mireya Flores Marín* (@MireyaFloresM)

La puesta en escena de la joven compañía Efe Tres, a través de la comedia de Lope de Vega, nos muestra de una forma siempre lúdica que los clásicos, sobre todo del Siglo de Oro español, aún tienen mucho que decirnos.

Haciendo uso de la metateatralidad (representación dramática dentro de una misma obra) dos presos, que han sido encerrados injustamente, se dedican a contarse historias entre sí para matar el tiempo; una de esas historias es la del “Príncipe Ynocente”, comedia de enredos del querido Lope.

Son muchos los elementos que dan a este montaje una frescura y un ritmo que impiden que el espectador se distraiga, que pierda el hilo de lo que sucede en escena, y mucho menos que se confunda cuando son sólo dos actores quienes representan a dieciséis personajes, que van rolándose entre sí.

Si “meterse” en un personaje requiere de gran dominio de la técnica, qué tan audaz resulta para los actores Fernando Villa y Fernando Memije, ir de un rol a otro con las características físicas, vocales, emocionales, y demás, que requiere cada uno; a mi parecer lo consiguen estupendamente.

Y qué decir de la fluidez y el atrevimiento con que manejan el verso; sí, esa ”arcaica, solemne y aburrida manera de expresión”, queda actualizada y ciertamente informalizada, sin perder su riqueza en contenido.

Con elementos escenográficos y de utilería mínimos, buscan siempre apelar a la fantasía del público quien está ahí en su papel activo, para completar la obra, responder a cada guiño y retroalimentar el trabajo que la compañía ha propuesto.

Asistir a esta obra es una buena opción para terminar el día con esa sonrisa, esa que deja el haber pasado un buen momento y haber visto un buen trabajo.

El Principe Ynocente
De Lope de Vega
Dirección: Fernando Villa y Fernanrdo Memije
Actúan: Fernando Memije / Fernando Villa / Juan Carrillo
Duración: 1:30 minutos
El Circulo Teatral. Veracruz 107, Condesa.
Agosto, septiembre y octubres
Miércoles, 20:30 hrs.

*Mireya Flores es Máster en Artes Escénicas por la Universidad de Vigo, España; tiene un posgrado en Políticas y Gestión Cultural con la especialidad en Producción y Difusión de Espectáculos Escénicos por la Organización de Estados Iberoamericanos (OEI) y la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM); es Licenciada en Ciencias de la Cultura por la Universidad del Claustro de Sor Juana. Además, tiene formación en danza y en teatro.