CAMINO A FORT COLLINS

UNA PECULIAR HISTORIA DE AMOR
Por Huitzi Catalán

COLLINS

Conocí a Martín Zapata con “El Siniestro Plan” de Vintila Radezcu y quedé embobado por su dramaturgia; desde ese día entró en mi altar de los escritores. La pluma de Martín conjuga todos los elementos de una escritura profunda: pericia narrativa, diálogos perfectos, sutileza, ritmo, progresión dramática. Es poesía puesta en escena.

Bajo estos mismos parámetros, Zapata nos presenta “Camino a Fort Collins”. En la idea de explorar la cultura popular de Estados Unidos en los años cincuenta, este dramaturgo termina presentándonos una hermosa y muy peculiar historia de amor cósmico. No es un reto pequeño: en medio de una serie de significados muy encuadrados, este dramaturgo logra escapar del lugar común y entregarnos un drama que nos mantiene al borde de la butaca.

Las actuaciones de Daniel Domínguez y Diana Sedano están voladas: son profundas, significativas y vibrantes. Desde luego que ahí se nota el gran trabajo de dirección que realiza el mismo Martín Zapata e, insisto, la gran maestría en la escritura; Zapata ganó, con esta obra el Premio Bellas Artes de Dramaturgia Baja California 2014.

El trabajo de iluminación es precioso y perfecto, tan sutil y natural que uno no lo nota hasta que se pone a pensar en ello. Palmas para Alejandro Luna por ello.

CAMINO A FORT COLLINS
Dramaturgia y dirección: Martín Zapata
Con: Saniel Domínguez y Diana Sedano
Jueves y viernes 20:00 horas / Sábados 19:00 horas / Domingos 18:00 horas
Hasta el 6 de diciembre,
$150 general
Teatro Santa Catarina (Santa Catarina 10, Coyoacán)

LA MUJER JUSTA

PARA LOS AMANTES DEL ARTE

“Para la creación, hace falta algo más… Una fuerza especial, una disciplina; o las dos cosas juntas. Creo que es a esto a lo que se suele llamar carácter…”
Sándor Márai

Por Viridiana Nárud* (@viridianaeunice)

mujerJusta

La última puesta en escena de Enrique Singer, “La Mujer Justa”, muestra la disciplina y fuerza que los años de experiencia han dado a éste director. Un inicio donde los personajes parecen espectros deambulando por el escenario, necesitados de cobrar vida para contar la historia de Sándor Márai, rinde homenaje al pintor Rembrandt; donde los claroscuros son los protagonistas de una historia.

En esta obra la música, la iluminación, la escenografía, las actuaciones, el vestuario, la dramaturgia y la dirección, forman parte de una maquinaria donde cada una de las piezas funciona de manera puntual. En ocasiones, como espectadores, nos puede llegar a parecer algo natural el acompañamiento de estos elementos en la puesta en escena, sin embargo, esta “naturalidad” se encuentra hasta cierto grado injustificada ya que cada uno de estos siete elementos implica un lenguaje por separado. En el caso de “La mujer justa” Enrique Singer maneja estos elementos hacia un discurso claro dentro de la puesta en escena, creando un equilibrio escénico; donde –cito a Guillermo Quintanilla— la antinaturalidad se vuelve un hecho natural.

“La mujer justa” es una obra escrita, en los años 40, por Sándor Márai. Narra, con una evocadora mirada, la historia de pasión y traición empleando tres monólogos que nos trasladan hacia un triángulo amoroso desde distintas perspectivas, con tres personajes: Marika, Peter y Judith. No es necesario haber leído la novela de éste escritor para quedar sorprendido por la adaptación a manos de Hugo Urquijo y Graciela Dufau. Márai, es conocido por sus frases contundentes que mueven algo dentro del espectador. En esta obra, el discurso es doloroso, de desamor, crítico de una sociedad pequeño burguesa, no sólo de los años cuarenta, sino también actual. Ésa es la belleza de las grandes obras, su atemporalidad y permanencia en la memoria de los individuos.

Las actuaciones de Verónica Langer, Juan Carlos Colombo, Tina French, Héctor Holten y Marina de Tavira son justas en una medida perfecta. No hay demasiado drama ni seriedad. Existen las encarnaciones de los actores hacia los personajes, mostrando no sólo técnica y dominio en el escenario, sino también corazón.

Enrique Singer con esta obra hace notar su carácter como director, e cual no es un recuerdo de sus grandes obras, por el contrario, su dirección se supera a sí misma y se vuelve más contundente. “La mujer justa” es una obra obligada para todos los amantes del arte y del ser humano, a través de imágenes teatrales y un discurso claro deja ver lo revelador que puede ser el teatro en la psique del ser humano, cuando existe una reflexión por parte de los creativos y sale de la comodidad del lugar común.

La Mujer Justa
De: Sándor Márai.
Dirección: Enrique Singer
Con: Verónica Langer, Juan Carlos Colombo, Mariana de Tavira, Tina Frenche y Héctor Holten.
Versión Teatral: Hugo Urquijo y Graciela Dufau
Diseños y escenografía: Víctor Zapatero
Música original: Antonio Hernández
Diseño de vestuario: Carlo Demichelis
Foto: Mariel Cortès
Sala Xavier Villaurrutia, Centro Cultural del Bosque. Paseo de la Reforma y Campo Marte.
Miércoles, jueves y viernes, 20 hrs. Sábados 19 hrs. y Domingos 18 hrs.
Hasta el 13 de diciembre

*Escritora por necesidad, teatrera por convicción. Ha trabajado como directora, dramaturga y productora teatral, ha presentado obras en foros alternativos como: El Trolebús Escénico, Foro Shakespeare, Pandeo, Lucerna… Muchas veces se ha preguntado el por qué habría de escribir. Llegó a una conclusión: la realidad no le es suficiente. Cree que el mundo exterior tiene que ser revelado a través de esclarecimiento de las ideas y por ello el ejercicio de la crítica es fundamental. Egresada de la Escuela de Escritores SOGEM.

ILUMINACIÓN

¿ESTÁS LIBRE DE TODA CULPA?

Fredo Godínez (@AlfiePingtajo)

iliminacion

¿Cuáles son los lazos que nos unen con nuestras amistades? ¿Cómo elegimos qué personas son las que queremos como amigos y cuáles no? ¿Existe alguna premeditación en la elección de nuestras amistades o realmente es algo que se da con naturalidad? ¿Las amistades tienen fecha de caducidad o deben durar hasta que la muerte nos separe?; éstas son algunas de las preguntas-reflexivas (¿acaso existen preguntas que no busquen la reflexión?) que se han adueñado de mi cabeza -desde el pasado sábado-, a raíz de mi asistencia a la puesta en escena: “Iluminación”.

Un día -de pronto- te encuentras en medio de una catástrofe que devora todo aquello que conocías por vida; incluso tu vida pende de un hilo, sin embargo la diosa fortuna ha decidido que salgas ileso. ¿Cómo se reacciona cuando te das cuenta que tus únicas pertenencias son las cosas que llevas puesto? Probablemente muchos de nosotros recurriríamos a la familia o a los amigos buscando consuelo, apoyo y comprensión. Otros, quizá, como lo hacen algunos de los personajes de la obra; optarían por el aislamiento en espera de entender y aprovechar los vacíos para reencontrarse, para renacer. Pero ¿qué se hace con lo bueno y lo malo que se halla en la búsqueda: se ignora o se tiene presente para no cometer el mismo error?, y ¿qué pasa si lo malo que te rodea se encuentra en las personas que más quieres?, ¿cualquier ser humano, sin importar la circunstancia, tiene la consciencia limpia para juzgar al otro?

Los que saben de arte aseguran que el ser humano al acercarse a una novela, un poema, una obra de teatro o una pintura busca encontrar respuestas a las preguntas más vitales y que al terminar su encuentro o diálogo con tales, acabas con más preguntas que respuestas; ahí radica la grandeza del ente artístico y más si pretende reflexionar acerca de la condición humana. Unos más afirman que si el arte no transmite o no te provoca alguna sensación o modificación en tus sentimientos y pensamientos, no puede considerarse arte. No sé qué tan cierto sea eso, pero sí puedo afirmarles que “Iluminación” te cuestiona y te invita a la reflexión sobre quién eres y el papel que para ti representan los otros en tu vida.

Otro aspecto interesante de la obra es que en algún momento de la obra uno siente que tiene la capacidad de juzgar a los protagonistas de la misma e invariablemente nos invade la ganas de tomar partido, de cambiarse al lado correcto, pero ¿en verdad existen buenos y malos en esto que llamamos vida?

“Iluminación” es una metáfora sobre dos procesos importantes en la vida: aprender a cerrar ciclos y atreverse a caminar por las nuevas puertas que se nos abren.

“Iluminación” somete a los actores a un “tour de force” que a cualquiera dejará con un buen sabor de boca y -sobre todo- saldrán con la misma sensación que recorre nuestra mente y cuerpo al salir de una terapia psicológica.

“Iluminación” es una obra que no deben dejar pasar, o se arrepentirán; el año pasado fue parte de la cartelera que conformó el DramaFest 2014; nuevamente la compañía productora: Teatro de Babel, decidió ofrecerle al público otra oportunidad para verla.

“Iluminación”
Dramaturgia: Joanna Murray-Smith.
Dirección: Aurora Cano.
Reparto: Juan Carlos Vives, Lumi Cavazos, Pedro Mira, Mónica Dionne, Daniel Martínez Gould y Claudia Ríos.
Teatro El Granero
Centro Cultural del Bosque.
Paseo de la Reforma y Campo Marte S/N. Metro Auditorio.
Jueves y viernes 8 pm, sábado 7pm y domingo 6pm.
Hasta el 13 de diciembre.

Foto: Fredo Godínez.

*Fredo Godínez es aprendiz de poeta, fotógrafo frustrado, adicto a la Coca-Cola y futbolista en FIFA para Xbox. Ha reseñado libros para periódicos poblanos y portales electrónicos como Sexenio-Puebla y Revista 360°, instrucciones para vivir en Puebla. Gestor cultural desde el 2007. Actualmente trabaja un texto dramatúrgico con la esperanza de algún publicarlo y montarlo. Habitante de la región más transparente, desde octubre de 2014 y desde entonces se ha vuelto un asiduo asistente al Teatro. En sus tiempos libres intenta conciliar el sueño.

EL JUEGO DE LA SILLA

LA MÁS FUERTE

Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

lasilla

Ana Katz (autora argentina), escribe El juego de la silla, obra que narra la historia de una singular familia liderada por una madre controladora y opresiva, quien recibe con todos los honores a su primogénito radicado en Canadá (Víctor). Conforme se va desarrollando la historia, podemos ver la atractiva dinámica en la cual se ven inmersos los integrantes de esta familia, y cómo comienzan a generarse conflictos en torno a la llegada del hijo mayor.

Con un fascinante realismo, la escenografía logra instalarnos al interior de una casa de clase media en la ciudad de México. Por su parte, la dirección de Angélica Rogel se vuelve sumamente efectista y logra que el espectador inmediatamente genere un vínculo emotivo con los sui géneris y entrañables personajes. Es necesario mencionar, que el trabajo de Rogel está siempre en consonancia con el tono de la obra, lo cual permite que el espectador cada vez se muestre más interesado en la historia de esta familia, y construya una estrecha relación con sus referentes personales.

El trabajo actoral no podía ser la excepción. De ante mano sabemos – por todo lo que hemos visto de ella – que el trabajo de Margarita Sanz sería maravilloso, así que en esta obra (como en muchas más) es gloriosa. En lo que respecta a Miguel Conde, no hay nada distinto que decir, solamente confirma lo que ya sabemos: la gran verdad con la que trabaja y la honestidad con la que siempre construye sus personajes; eso, para el público es demasiado, se convierte en todo. La participación de Ana Beatriz Martínez, es potente y la manera en la que ha construido el personaje resulta sumamente conmovedor. Nada distinto de Mahalat Sánchez quien también nos regala un personaje entrañable y de gran beldad. Por otro lado, la apatía e indolencia que imprime Alejandro Guerrero a “Andrés” confiere un importante contrapeso a las escenas, lo que lo hace todavía más encantador. Finalmente, el tratamiento que le dio Gabriela Guraieb a “Lucía” funciona en gran medida a que la obra adquiera buen ritmo; a pesar que para algunos, el planteamiento de la historia puede resultar un poco largo.

En conclusión, El juego de la silla destaca por su gran realismo, por su verdad, por todo lo que surge, por todo lo que no se dice. Un juego donde gana, el o la más fuerte, y quien resulte endeble abandona el campo de batalla. Es también, un gran regalo para el espectador, para quienes decidan confrontarse, quizá, con sus propias relaciones familiares, para quienes deseen reconciliarse con ese: su propio grupo.

EL JUEGO DE LA SILLA
De: Ana Katz
Dirección: Angélica Rogel
Elenco: Margarita Sanz, Miguel Conde, Mahalat Sánchez, Ana Beatriz Martínez, Gabriela Guraieb y Alejandro Guerrero.
Funciones: Lunes y martes 20:30Hrs
Hasta el 14 de Diciembre
Un teatro (Nuevo León 46, col Condesa)

*Actor / Dramaturgo / Teatrista

Facebook.com/oscaralfontana

oscar.fontana@distritoteatral.mx

LA LLAMADA

LA ESPERANZA DE LO QUE PUDO SER

Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

LaLlamada

Un par de adolescentes, comparten la cabaña en un campamento católico de verano – y como es de esperarse – pronto comienzan a sentir ganas de romper las reglas y aventurarse a vivir nuevas experiencias. Sin embargo, María vive un extraño fenómeno: es despertada todas las noches por el canto de Dios. Turbada por lo que le ocurre, decide contárselo a una de las madres, con la finalidad de que le digan lo que debe hacer. Así que decide alejarse de su mejor amiga, Susana, para poner en práctica los consejos de la madre y finalmente responder a “la llamada”.

Lo anterior, es la premisa de la obra escrita y dirigida por los españoles Javier Ambrossi y Javier Calvo. En lo concerniente al texto, es imprescindible mencionar que carece de toda estructura dramática: parte fundamental para que un texto teatral funcione. De tal manera que, con la progresión del tiempo, se espera que suceda algo con la propuesta o simbolismo de Dios, y que incluso comience a desarrollarse el conflicto; sin embargo, esto no sucede, después entonces, la esperanza se diluye en los últimos minutos de la obra. Al final estamos frente a un texto cuyo discurso no pudo dilucidarse, nos encontramos frente a un texto inconcluso y que no muestra un objetivo claro, un texto que se extravía en los enormes recursos estéticos del montaje. Es decir, todo lo que debería complementar el argumento (luces, música, músicos, canciones, escenografía) terminan devorándolo.

La propuesta de iluminación de Mauricio Ascencio, resulta bastante efectiva en cuanto a las atmósferas que quieren ser retratadas. Por otra parte, el diseño de escenografía de Ingrid SA, aporta de manera importante a la construcción de las convenciones y se vuelve práctica y atractiva.

El trabajo actoral está vinculado con la labor de dirección y la construcción de los personajes a nivel dramatúrgico. De tal manera que si el texto es carente, los personajes resultarán carentes también. Sin embargo, es plausible el trabajo interpretativo de Laura Zapata, Natasha Dupeyrón, Alexis de Anda y Tessa Ia, quienes logran construir a partir de lo que tienen, personajes jocosos y entretenidos. Salvo algunos momentos, su trabajo resulta en consonancia la mayor parte del tiempo.

“La llamada”, tiene la cualidad de ser divertida y entretenida para su público, que después de dos horas de euforia y de haber visto rostros de hombres y mujeres muy bien parecidos, hace que salgan emocionados, satisfechos y felices por lo que vieron y escucharon; sin embargo, como ya se mencionó, otros podrían ser los resultado, si el argumento no colapsara.

LA LLAMADA
Texto y dirección: Javier Ambrossi y Javier Calvo.
Con: Laura Zapata, Federico di Lorenzo, Natasha Dupeyrón, Alexis de Anda y Tessa Ia
Funciones: Viernes 20:30Hrs, Sábados 18:00 y 20:30 Hrs y Domingos 17:00 y 19:30Hrs.
Boletos: $500, $350, $200
Centro Cultural San Ángel
(Av. Revolución S/N Álvaro Obregón. San Ángel)

*Actor / Dramaturgo / Teatrista
Facebook.com/oscaralfontana
oscar.fontana @distritoteatral.mx

EL EXTRAÑO CASO DE TAI CHI Y TÉ CHAI

tachiTeChi

Por Viridiana Nárud @viridianaeunice*

La risa ‘es la aberración de la sensación placentera que experimentamos cuando el esfuerzo de reprimirse se vuelve súbitamente innecesario’, palabras de Sigmund Freud, tratando de explicar un fenómeno que ha sido estudiado por Darwin hasta Jesusa Rodríguez.

También en el año 2013 Salman Rushdie, expresó que en tiempos modernos donde se exige a un escritor ser optimista, el humor toma más fuerza. Quizá, por ese motivo, las comedias tienen mayor éxito en cartelera y, comienzan a tener en su discurso que exige inteligencia y astucia por parte de los intérpretes.

La Piara teatro, es una compañía con años de experiencia. Combina el teatro, el clown, el circo y el bufón. El resultado de la suma de estos cuatro componentes es la revelación de una sociedad aberrante que trata de mantenerse dentro de los límites de la normalidad, tomando como escape la risa.

“El extraño caso de Tai Chi y Té Chai” narra la historia de dos empleados de la banca que han estafado a un panda y le han robado todos los ahorros de su vida. El Panda, en venganza, manipula la mente de Tai Chi y Té Chai para que tomen dinero “prestado” de la banca y le compren boletos de lotería, con la promesa de volverse millonarios y regresar lo que han tomado. Sin embargo, ¿cuáles son las posibilidades reales de ganarte el premio mayor en una ciudad con una población de más de 7.100.000 habitantes?

El resultado de esta obra es divertido y sumamente dinámico, además de mostrarnos el caso real de dos empleados chinos que robaron cinco millones de euros para gastarlos en la lotería. Es por ello que la risa revela súbitamente lo que ya no es necesario reprimir, como la estupidez del ser humano y su ambición.

Que esta obra se encuentre inspirada en hecho reales y nos revele la miseria humana no la vuelve grave ni pesada. Y es por ello que las palabras del escritor Salman Rushdie se vuelve tan vigentes. La oscuridad siempre hace mejor comedia.

EL EXTRAÑO CASO DE TAI CHI Y TÉ CHAI
Elenco: Artús Chávez, Fernando Córdova y Medeleine Sierra.
De Juanma Rodríguez
DirecciónElena Olivieri
Producción: La Piara Teatro.
Miércoles 20:30pm
$350 general
Foro Shakespeare.
Zamora 7, col. Condesa. Atrás de Metro Chapultepec.

*Escritora por necesidad, teatrera por convicción. Ha trabajado como directora, dramaturga y productora teatral, ha presentado obras en foros alternativos como: El Trolebús Escénico, Foro Shakespeare, Pandeo, Lucerna… Muchas veces se ha preguntado el por qué habría de escribir. Llegó a una conclusión: la realidad no le es suficiente. Cree que el mundo exterior tiene que ser revelado a través de esclarecimiento de las ideas y por ello el ejercicio de la crítica es fundamental. Egresada de la Escuela de Escritores SOGEM.

21 HISTORIAS DE BAÚL

ODA A LA METAMORFÓSIS

Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

historiasBaúl

Tomado de “Historias mínimas” del dramaturgo español Javier Tomeo, cuatro actores con la ayuda de un inmenso baúl que toma forma de todo, representan una veintena de jocosas y diversas historias que llevarán de viaje al público a distintos lugares.

Amanda Farah – directora del montaje- es la encargada de unificar esta serie de personajes e historias, para que finalmente se materialicen en escena. Y en este tenor, es plausible la estética que logra con los diversos escenarios que hace emerger del baúl. Es de destacar también, que el trazo de los actores – la mayor parte del tiempo en escena – resulta eficaz y dinámico: logra que aún quienes en algunas ocasiones no tienen el o los personaje(s) principal(es), adquieran sentido y no se vean en ejecución de alguna tarea escénica ociosa. Es necesario entonces, mencionar que el montaje es poseedor de una magia que cautiva a su público de manera inmediata; sin embargo, es menester que se ponga atención en algunos errores técnicos que puedan entorpecer el encanto.

21 historias de baúl es un montaje atractivo también, por la concienzuda construcción que sus actores hacen de sus personajes, y por la diversidad de sus propuestas, además de la creación de ambientes con la voz y demás efectos. Es esto que genera que el público se divierta y se vea inmerso en todas las situaciones que el texto propone.

Vale la pena salir de casa en domingo, para asistir a disfrutar de esta puesta en escena que promete que todo sucederá en cuanto el baúl se abra, y comience la oda a la metamorfosis.

21 HISTORIAS DE BAUL
De: Javier Tomeo
Dirección: Amanda Farah
Con: Llever Aíza, Daniel Breton, Johanna Larequi, Francisco Pita, Emilio Savinni.
Funciones: Domingos 12:30Hrs
Hasta el 11 de octubre.
Costo: $150.- general
Teatro la capilla (Madrid 13, Coyoacán)

*Actor / Dramaturgo / Teatrista

Facebook.com/oscaralfontana

oscar.fontana@distritoteatral.mx

BASHIR LAZHAR

LA VOIX DE LA DOULER

Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

BASHIR

Évelyne de la Cheneliére (dramaturga de origen canadiense), escribe acerca de un inmigrante argelino que huyendo de la violencia de su país, decide refugiarse en Canadá donde es contratado como suplente en una escuela primaria. Sin embargo, los métodos de enseñanza y las limitaciones del sistema escolar – producto de la diferencia cultural de aquel país- hacen que Bashir Lazhar entre en conflicto con su “nuevo” entorno.

Mahalat Sánchez (directora del montaje) propone un espacio casi vacío donde el minimalismo se convierte en la característica principal. Como consecuencia de esto, el montaje adquiere un carácter lacónico y bastante atractivo a nivel estético, haciendo que en consecuencia, el argumento cobre mayor importancia y capte totalmente la atención del espectador. Lo cual da sentido a un principio de dirección que propone que el director debe saber exactamente en qué o dónde pretende que el espectador vuelque su atención.

Boris Schoemann logra un Bashir Lazhar entrañable y conmovedor, lleno de imágenes y sensaciones que estremecen de inicio a fin. Su histrionismo resulta plausible y por demás potente. Cabe mencionar que el vestuario diseñado por Pilar Boliver contribuye en gran medida a que éste sea construido de manera excepcional.

“Bashir Lazhar” es la voix de la douleur , una voz que se pierde en un alarido sordo y doliente.

“BASHIR LAZHAR”
De Evelyne de la Cheneliére
Con: Boris Schoemann.
Hasta el 30 de septiembre
Miércoles 20:00hrs.
Boletos $150.- entrada general
Teatro la capilla
(Madrid 13, Coyoacán)

* Actor / Dramaturgo / Teatrista
Facebook.com/oscaralfontana

¿DÓNDE ESTÁ EL PUNTO?

ESTRATEGIAS PARA LOGRAR LO INASEQUIBLE
Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

ELunto

Microeatro es un nuevo concepto en México que presenta obras de no más de quince minutos en un espacio pequeño para máximo quince espectadores. Está atractiva estructura permite al público disfrutar de varias obras de pequeño formato en una casa muy bien adaptada, donde en cada habitación se presenta una micro-obra distinta.

Esta temporada podremos ver “¿Dónde está el punto?”, obra que relata la historia de un estudiante de música que se hace acreedor a una beca en el extranjero y acude a una institución para finalizar el proceso. El conflicto inicia cuando quien lo atiende obstaculiza la culminación de éste, pretextando un error en su nombre. Benito (el personaje principal) se valdrá de una singular estrategia para ver consumado su objetivo y finalmente viajar a Italia.

La laureada obra de Jesús Delgado (autor y director) posee una estructura jocosa y ágil que resulta eficaz. Por otra parte, la dirección se nutre del texto internando al espectador en una oficina caótica y asfixiante llena de escollos y malos entendidos.

El trabajo actoral está en balance e insoslayablemente hace que el espectador conmisere a uno mientras aborrece a otro y viceversa.

“¿Dónde está el punto?” presenta la terrible realidad burocrática a la que todos nos enfrentamos en algún momento de la vida. Retrata la manera en la que nuestra paciencia se ve fracturada y nos vuelve diestros en buscar estrategias para lograr lo “inasequible”.

¿DÓNDE ESTÁ EL PUNTO?
Texto y dirección: Jesús Delgado.
Con: Sebastián Torres, Mayra Dávila, Angélica Gómez y Ángel López.
Jueves y Viernes: 8:10 · 8:40 · 9:10 · 9:40 · 10:10 · 10:40
Sábados: 7:10 · 7:40 · 8:10 · 8:40 · 9:10 · 9:40
Domingos: 6:10 · 6:40 · 7:10 · 7:40 · 8:10 · 8:40
Boletos $70.- entrada general.
Foto: Tikva Levy

* Actor / Dramaturgo / Teatrista
Facebook.com/oscaralfontana

SURREALISMO

ACERCA DEL SER MUJER

Por Viridiana Nárud @viridianaeunice

Surrealismo

Para todos los amantes de André Bretrón, Louis Aragón y todos los surrealistas les aviso, de ante mano, que esta obra no se encuentra relacionada con el movimiento intelectual que surgió en 1920.

Para la autora de ‘Surrealismo’, ésta palabra se encuentra relacionada con las realidades del sur y sus ismos, como lo son el pendejismo. La obra se encuentra dividida en dos: El mundo real de la autora donde se permite, sin pudor, hacer un monólogo donde la improvisación y una poesía emocional la desbordan y la segunda, la ficcional. Esta parte se encuentra dividida por distintos monólogos con voces femeninas.

Sin duda es un trabajo de reflexión acerca del ser mujer, y todas sus aristas sociales y privadas. Se encuentra la mujer trabajadora que mantiene una relación con sus hijos a través del teléfono. La niña que vive una nueva manera de ver a las familias. La mujer enferma y deforme que muestra que el amor tiene un rostro y al verse distinto nos asusta. Entre otros personajes muy divertidos.

La belleza de este texto y actuación se encuentra en su honestidad en cómo enuncia las cosas. Vemos a una actriz desgarrándose en escena tratando de exorcizarse a sí misma. También es cierto que existen momentos en donde las transiciones de un personaje a otro son demasiado largas y hace que el público se canse. Sin embargo, el sabor de boca al salir del foro es grato. Una obra para mujeres románticas que se encuentran en búsqueda del amor y su identidad como seres individuales.

Tal vez, como dice Nora Fernández casi al final de su monologo: Tengo ganas que mi corazón se vuelva loco de amor sin ninguna intervención del pasado. Así que dejemos el pasado en su lugar y demos cabida a un surrealismo donde la fronteras latinoamericanas no existen porque hablamos el mismo lenguaje, el del amor.

Dramaturgia, interpretación y dirección: Nora Fernández.
Producción General: Adrián Alarcón.
Miércoles 9:00 pm
Hasta el 26 de agosto
Foro Shakespeare
Zamora 7, Condesa
Hasta el 26 de agosto