FARSA Y HUMOR NEGRO
Por Viridiana Nárud @viridianaeunice

Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio (LEGOM) busca sostener su teatro en la palabra. Por ello es que encontramos en su lenguaje una transgresión, una violencia de éste. LEGOM es poco cómodo ya que deja desde su escritura una nula partitura que sirva como guía para el director. Esto se debe a que no existen acotaciones. No es algo nuevo en la dramaturgia, lo que sí ha llamado la atención es la manera en que aborda la escena y la acción dramática a través de la palabra.

“Mi querido Capitán” es una farsa que hace escarnio de la milicia mexicana y, la nula eficacia de la guerra contra el narcotráfico que comenzó en el sexenio de Felipe Calderón. Para lograr esto pone en una comprometedora situación al personaje principal. “El Capitán” es un homosexual de closet quien mantiene una relación amorosa y sexual con un soldado raso. La historia comienza tras la muerte “accidental” de uno de los testigos en el interrogatorio. El batallon, un grupo de ineptos, conoce la relación del Capitán con el soldado Pachis, abusando de las influencias que tiene el soldado desobedecen cualquier orden del Capitán.

Es necesario señalar que el texto de LEGOM no sólo es complejo por la ruptura del lenguaje, sino también por su tejido dramático ya que existen elipsis que nos llevan del presente al pasado y viceversa. Cosa que resuelve bien el director Sebastián Sánchez Amunátegui. Sin embargo existen deficiencias en la iluminación ya que no logran crear la atmósfera que permita dialogar con la propuesta escénica, que es fársica.

También existe una problemática en el sonido. Entiendo que la propuesta del director es ser naturalista respecto a este aspecto de la obra, empero debemos tomar en cuenta que en una farsa se rompe con toda la realidad y naturalidad de la vida, por ello no es necesario pretender que un sólo aspecto nos puede hacer recordar nuestra realidad. Suficiente es la crítica y la manera inconsciente en que esta opera. Ya es triste ver y vivir la ineptitud de una guerra donde a diario mueren personas, y una milicia que en lugar de defender a sus ciudadanos los mata. Sería necesario que los episodios donde la música suena, esta se escuche con más fuerza. No se pierde nada y se gana mucho en efectos dramáticos.

Las actuaciones de Ricardo Rodríguez y Antonio Lojero son justas en su medida, a pesar de ser una farsa no se encuentran sobre actuadas. “Mi querido Capitán” es una obra para aquellas personas que son críticas de su actualidad, gustan de la farsa y humor negro.

DRAMATURGIA: Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio, L.E.G.O.M.
DIRECCIÓN: Sebastián Sánchez Amunátegui
ACTÚAN: Antonio Lojero, Ricardo Rodríguez, Bernardo Benítez, Alan García y Ariel de la Torre.
DÓNDE: Foro Shakespeare.
DIRECCIÓN: Zamora 7, Colonia Condesa. A dos cuadras de Metro Chapultepec.
CUÁNDO: Martes 20:45 hrs. Hasta el 26 de marzo
COSTO: $200 entrada general. Boletos en taquilla y ticketmaster.
DURACIÓN: 65 minutos sin intermedio.

¿CUÁL ES TU SUEÑO?

Por Ariel Escalante (@YosoyAriel)

La vida te puede llevar por caminos tormentosos si tomas las decisiones equivocadas. Pero, ¿serías capaz de regresar por esos mismos caminos varias veces? ¿puedes encontrar el camino de regreso a casa por cuenta propia? Es parte de la reflexión a la que lleva al público –y a sus propios actores- la puesta en escena “El Mago Dioz”, de la Compañía de Teatro de la Penitenciaria del Distrito Federal.

Esta versión muy libre y muy ‘chilanga’ del texto clásico de ‘El maravilloso Mago de Oz’ de Lyman Frank Baum constituye una experiencia teatral que vale la pena conocer, bien por la propia ficción dramática, por su original propuesta escénica o por la historia real detrás de este proyecto.

El cuento es el siguiente: en un día que parecía ordinario, Doroteo se ve inmerso en un mundo particular en busca de un Dioz poderoso que puede hacer realidad sus sueños. Durante la búsqueda, Doroteo tendrá que sortear múltiples dificultades, acompañado por unos peculiares personajes: un tonto actor que busca un cerebro, un codicioso licenciado que busca un corazón, un león cobarde cuyo mayor deseo es ser valiente, además de su perro Toto.

La obra es divertida, dinámica y libera mucha energía, que se nota en el ambiente. Es un trabajo atribuible a la buena dirección de Itari Marta y Juan Carlos Cuellar. La acción se desarrolla en cada rincón del amplio auditorio “Juan Pablo de Tavira” de la penitenciaria de Santa Martha Acatitla. Desde el inicio, los trazos de los actores van a ritmo vertiginoso. Y es algo que el público siente –literalmente-.

Los actores muestran niveles distintos de desarrollo histriónico, que se entiende porque algunos llevan más tiempo que otros en la compañía y porque han existido cambios en la interpretación de personajes. Y porque, al final, aquí no se busca el lucimiento de los actores

La compañía es uno de los proyectos de impacto social del Foro Shakespeare; su objetivo es ofrecer un medio de reinserción social a los reclusos, a través de la instrucción escénica profesional. A decir de los propios internos, ha logrado además bajar sus niveles de estrés y violencia, y ha cambiado en mayor o menor medida su idea de la libertad.

El Mago Dioz inició su segundo año de presentaciones el pasado 5 de marzo y se estará presentando los sábados de los siguientes meses en la misma penitenciaria de Santa Martha Acatitla. Excepto el último sábado de cada vez, cuando la compañía presentará otro montaje de su repertorio: Ricardo III.

Y para terminar, recurro a la pregunta que hace Doroteo a los asistentes a esta obra:
¿Sabes cuál es tu mayor deseo?

Los internos miembros de esta compañía de teatro sí lo tienen: enderezar el camino y poder regresar a casa pronto, con su familia.

“El Mago Dioz”
Dirección: Itari Marta y Juan Carlos Cuellar
Reparto: Michel Jorge, Ismael Corona, Fidel Détor, Oscar Lara, Francisco Ortiz, Valeria Lemus, Rodrigo Espinoza, Fidel Gómez Pérez, René Hernández, Rafael Martínez, César David, Eduardo Sixto, Héctor Maldonado Rojas, Israel Rodríguez, Javier Cruz.
Auditorio “Juan Pablo de Tavira”, penitenciaria de Santa Martha Acatitla.
(Salida en el Foro Shakespeare)

Fechas programadas:
Marzo 12 y 19
Abril 02, 09,16 y 23

Para los que deseen adentrarse al reino de Dioz, el proceso es el siguiente: reservar con anticipación a los teléfonos 5553-4642 y 5256-0014, o al correo teatroyprision@shakespeare.com y la cita es el sábado a las 11:30 horas en las instalaciones del Foro Shakespeare, desde donde sale un transporte hacia la penitenciaría.

ALGO SENCILLO Y SIN DRAMAS

Por Viridiana Nárud @viridianaeunice

“Exceso de equipaje” es una obra compuesta por quince microdramas con duración de tres minutos cada uno. Cada microdrama cuestiona de manera dramática qué es una maleta y cómo este exceso de equipaje puede ser el resultado de una carga emocional de quien la carga. Sin embargo, el dramaturgo Alberto Castillo se muestra tibio en darle vida a sus personajes ya que prefiere terminar con los relatos justo cuando la trama cobra fuerza.

La puesta en escena es sencilla: la escenografía, una tarima de madera; el vestuario, una camisa y un vestido que cambian conforme al personaje; la iluminación sencilla que cambia cada microrrelato; una dirección que no arriesga a sus actores ni público; la dramaturgia al ser microrrelatos siempre quedan inconclusos, a pesar de tener potencial para ser una obra completa; no olvidemos la maleta que funciona como metáfora y da el pretexto a la obra de existir. En general, estos complementos en la puesta en escena no mantienen un discurso, por lo tanto se encuentran aislados y no llevan a ninguna emoción al terminar la obra. En realidad, lo que hace que esta obra no caiga son las actuaciones de Romina Coccio y Miguel Conde.

David Mamet dice: “En una obra bien escrita, y en una obra correctamente interpretada, todo conduce al clímax”. Pero al tener una obra que no tiene clímax, nos encontramos ante una situación como espectadores donde el clímax se promete pero nunca llega. Esto se debe a la estructura dramática que ha elegido el escritor para darle vida a estos ejercicios que han logrado caber en una obra de teatro.

Yo cuestiono a la directora Pilar Ceredo: ¿su objetivo es mostrar sólo buenas actuaciones? Ya que lo que se ve en escena es una acto cómodo por parte de todos los integrantes donde no se muestra nada más que una conformidad con el trabajo “bien hecho”. Debido a que esta puesta en escena no permite adentrarse en las entrañas de los personajes, y un discurso inexistente por parte la directora, se encuentra condenada al olvido.

En general, “Exceso de equipaje” es una obra que sirve para divertimento de un espectador que busca algo sencillo sin dramas, ni tragedias, y que tampoco desea salir pensando al salir del teatro. Es una obra que sirve para entretenernos y matar el tiempo.

Dónde: Foro la Gruta. Av. Revolución 1500, Campestre.
Dramaturgia: Alberto Castillo.
Dirección: Pilar Ceredo.
Actuaciones: Miguel Conde y Romina Coccio.
Cuándo: Sábados 7 p.m.
Hasta el 30 de abril

A TRAVÉS DE CUATRO VIÑETAS INTROSPECTIVAS
Fredo Godínez (@AlfiePingtajo)

I
¿Qué sentido tendría el amor, cuando éste nos conduce a la muerte carnal y al mismo tiempo nos encamina a la vida trascendental?; ¿qué simbolismo tendría aventarse del piso 33 de un edificio agarrado, aferrado a la mano de la mujer u hombre que amas? o ¿qué escribirían los forenses en su reporte al encontrar a una pareja muerta de un sólo disparo al mismo tiempo; le llamaría suicidio o amoricidio? ¿Qué sería más valioso para un ser humano: vivir acompañado toda la vida y tener una persona con la cual morir al mismo tiempo por elección y no por accidente?, preguntas, extrañas cavilaciones que uno le quedan al enfrentarse a la más reciente obra de Xavier Villanova: “A espaldas del mundo”.

II
Xavier Villanova experimenta y expone al mismo tiempo; no se anda por las ramas, no tallerea, no descansa el guión; lo que puede volverlo inalcanzable o incomprensible para el espectador y en otras ocasiones genera un golpe que tardas en detectar la zona que afectó. Empero, esta ocasión el espectador se encuentra, quizá, ante uno de los textos más completos del joven dramaturgo. Aguas, no se ponga entre líneas ninguna otra cosa; simplemente “A espaldas del mundo” cumple con algo que -de unos años para acá-, busco tanto en la literatura como en el teatro o en las artes plásticas y visuales: sentir que la voz o la entraña del autor la que me está hablando y no su intelecto.

Esta ocasión Villanova para no caer en lugar común opta por transgredir al espectador, se transgrede a sí mismo. Experimenta con su propia estética personal y opta por otros caminos; permitiéndole un mejor desdoblamiento.

III
“A espaldas del mundo” es Villanova al desnudo: el niño que lleva dentro y que rara vez muestra; el intelectual que seguidamente habla; el dramaturgo que domina la teoría y que busca innovar, romper, ir contracorriente y el hombre que actualmente se reconoce enamorado. Es un homenaje a todos sus héroes y demonios personales, es un “éste que ves actuar soy yo y no sé si alguien me entienda, pero me atrevo a gritarlo”. Es un reconocimiento al contrario: es cierto que me concibo aislado, pero al mismo tiempo necesito de tu compañía en la distancia. Es reconocerse en su par, es romper el caparazón protector, es quitarse el casco de astronauta en pleno alunizaje.

“A espaldas del mundo”, casi como toda obra que conlleva sumergirse en sí, es una invitación a emprender un viaje por los paisajes más oscuros, puros e intelectuales del dramaturgo que es Villanova. Pero probablemente a “A espaldas del mundo” sea otra cosa y no lo que estoy escribiendo; tal vez tan sólo sea un viaje narrativo o una introspección ¿literaria? gritada a los cuatro vientos.

En el poco rato que tengo de conocer, tratar y conversar con Xavier Villanova, ya sea a través del Teatro o del dialogo natural que se da (o debería dar entre dos personas parlantes); debo decir que es un intelectual que está en constante búsqueda y que expone sus resultados a través del Teatro.

IV
Lo único real es que esto es una extraña invitación a verla y a crear su propia versión. Nunca confíen en la mía, porque no tengo poder. De hecho, no deberíamos de confiar en el juicio estético de nadie, pues al final es subjetivo y no necesariamente se parecerá a lo que uno, como individuo, es capaz de generar.

“A espaldas del mundo”
Dramaturgia y dirección: Xavier Villanova.
Reparto: Laura Camés y Xavier Villanova.
El Tintero de los ironistas: Av. Cuauhtémoc #875. Col. Narvarte (a un costado de Metro Eugenia.
Jueves y sábado 8:30 pm
Todo el mes de Marzo.

O LA VENGANZA DE LOS ANACRÓNIDAS

Un buen actor puede ordenar a un público con un sólo movimiento.
Robert Wilson

Por Viridiana Nárud @viridianaeunice

“¿Por qué aceptar una segunda categoría en nosotros o en los otros? ¿Por qué tenemos que reír si no es divertido? ¿Por qué tenemos que suspirar por algo harto sabido? ¿Por qué tenemos que sorprendernos de aquello previsible? ¿Por qué lo hacemos? Lo hacemos porque necesitamos reír, suspirar, sorprendernos”. Dice David Mamet en su libro ‘Verdadero y falso herejía y sentido común de actor’.

Como público asistimos al teatro a hacer catarsis o en el peor de lo casos, a entretenernos. Sin embargo, la industria del entretenimiento tiene objetivos claros, como hacer pasar un buen momento al consumidor. Ya que éste paga por diversión o una emoción previamente anunciada. Empero, cuando asistimos a recintos institucionales con producciones independientes que tienen una búsqueda como autor, deseamos ver algo extraordinario.

‘Pozole o la venganza de los anacrónidas’, es el resumen del mito griego de Cronos con algunas variantes. Tres personajes que se creen descendientes divinos se reúnen anualmente para hacer la cena ritual que los une con su padre. La variante es que éste no asistirá. También toman frases de Sigmund Freud para proyectarlas en un ciclorama para complementar, y no dialogar, con aquello que no se logró mostrar en escena.

Esta obra es un ejercicio escénico que vio previamente la luz, a pesar de que ya ha tenido temporadas anteriores no deja de ser un ejercicio. Hacen falta mejoras en la dramaturgia ya que el objetivo es poco claro, hace guiños a la farsa, a la tragedia, a la pieza sin lograr consolidarse en un ningún género, también cabe mencionar la nula tensión dramática. Si bien es cierto que en la actualidad no existen géneros puros, la variación y mezcla entre ellos debe tener como objetivo narrar una trama -en el caso de obras que sí tienen como intención revelar una historia. Pero cuando el escritor es un aprendiz, entonces debe ceñirse a ciertas normas y reglas que le permitan dominar la escena y el drama. De no ser maestro o carecer del oficio del dramaturgo es mejor no hacer este tipo de experimentos, ya que el resultado es un ejercicio y no una obra terminada.

Cuando hablo de la obra terminada me refiero a que el artista tiene previamente procesos de ensayos o laboratorios para mostrar la obra y, que ésta no vea la luz como un producto no terminado. Ya que todo producto manufacturero que deje ver sus costuras es un producto defectuoso. ‘Pozole o la venganza de los anacrónidas’, es un ejercicio escénico el cuál deja ver claramente sus costuras. Falta trabajo y autocrítica por parte de los creadores.

Es cierto que la obra tiene momentos que te hacen reír y que están bien logrados. Pero el final en la historia es tan previsible que el espectador pierde interés rápidamente. ¿Por qué entonces ríe el público? Porque tiene la necesidad de acompañar a estos jóvenes actores con la esperanza de reencontrarse a sí mismo (anagnórisis), de purificarse (catarsis), o, como dice David Mamet, porque tiene la necesidad.

POZOLE O LA VENGANZA DE LOS ANACRÓNIDAS
Dirección: Héctor Iván González, Guillermo Revilla, Edgar Valadez.
Dramaturgia: Héctor Iván González, Guillermo Revilla, Edgar Valadez.
Elenco: Héctor Iván González, Guillermo Revilla, Edgar Valadez.
Teatro Sergio Magaña (Sor Juana Inés de la Cruz núm. 114, colonia Santa María la Ribera.)
Jueves y viernes 8:30pm
Hasta el 11 de marzo

CRÓNICA DE LO INEXISTENTE
Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

Un par de adolescentes ven imposibilitado su romance en medio de los acontecimientos ocurridos en el México de 1968. Mario (estudiante de artes plásticas de la academia de San Carlos) pretende a Lucía (hermana de uno de sus compañeros) quien vive bajo la represión de su madre. Sin embargo, esta no es la única “represión” de la cual Lucía y los demás estudiantes son víctimas, sino también la que el gobierno ejerce sobre ellos. Todo esto, aunado a una serie de vejaciones y acciones presumiblemente homófobas que finalmente los impela a alzar la voz y manifestarse.

El melodrama se sirve de canciones de Joan Manuel Serrat para contar la historia escrita y dirigida por Omar Olvera. Es necesario mencionar que el texto resulta inverosímil y el tratamiento que se le da a los personajes dentro del contexto que pretende, están claramente disminuidos en intensidad emotiva. Hay un flagrante desconocimiento y dominio del contexto histórico por parte de Olvera. El autor no logra un planteamiento que sustente un desarrollo y un desenlace lógicos, porque no tiene claro el objetivo a nivel estímulo-respuesta con su espectador. Luego entonces, la anécdota se diluye entre las canciones, las coreografías y el ensamble. El autor abandona la idea con la que inició, se olvida de ella y la ofrece al espectador de la manera más simple: se ve obcecado por el “atractivo” de un musical de karaoke. La indolencia con la que fue escrita, definitivamente justifica que le falte desarrollo y motivos esenciales para que los personajes reaccionen de la manera que lo hacen. Están totalmente desprovistos de cualquier recurso para sustentar sus acciones, entonces volvemos al inicio del párrafo: la anécdota se vuelve inverosímil.

El trabajo actoral es, en parte, resultado de lo anterior. Para que la ficción genere un movimiento emotivo en su espectador, debe ser construida con verdad; en este caso, los actores están preocupados por hacer emerger emociones que es claro que no están sintiendo, se vuelve entonces un montaje falaz.

Estamos ante una obra que tiene toda la intención de trascender, de generar algo, pero desgraciadamente no es así. Si fuese el caso, el público no podría dejar de hablar de lo hostil que le resultó reencontrarse con hechos tan aciagos como aquellos. Se sentiría aterrada ante la posibilidad de que eso pudiera volver a suceder si no se trabaja en un cambio. Pero nada sucede, el público no sale modificado de ninguna manera.

El teatro siempre ha sido una respuesta y un reflejo de lo que está sucediendo en cada país. México está, quizá, en un momento en el que vivimos y aceptamos la mentira como parte de un sistema al cual nos hemos alineado.

PARA LA LIBERTAD, MÉXICO 68
De: Omar Olvera
Con: Pía Aún, Mario Sepúlveda, Axel Alcántara, César Jonathan, Irene Rodríguez, Joana Domínguez, Mayte de Samaniego, Jimena Cornejo.
Miércoles 20:30Hrs
Teatro Milán
Lucerna 64 esq. Milán, col Juárez

*Actor / Dramaturgo / Teatrista

Facebook.com/oscaralfontana

NO SALDRÁS ILESO

Por Huitzi Catalán

Uno no puede entrar a ver “Oler la Sangre” y salir ileso, intocado. Es curioso el mecanismo por el cual el teatro logra esto: hacernos entrar en la escena sintiendo que está en juego nuestra propia vida, transmitirnos una identificación total con los personajes, las situaciones o ciertos momentos. “Oler la Sangre” logra hacernos salir de nuestra butaca y que la dramaturgia hable de nosotros, de nuestra historia.

Un equipo súper joven de productores y director presentan una puesta en escena que en la sobriedad de una escenografía que utiliza únicamente un vitral con un sol casi metafórico y un reloj constante, esta obra nos lleva al Mar, a pueblos lejanos, a casas íntimas. “Oler la Sangre” brilla por el texto y por las actuaciones, la escenografía permite que brillen.

El texto nos narra una historia sobre el amor fraternal roto en algún momento por una serie de circunstancias; un cariño que se queda a la espera, pero que no se agota y redescubrirlo es redescubrir nuestra vida con todo y sus heridas. Se trata de una dramaturgia limpia de lugares comunes, obviedades, explicaciones y otros vicios, y con un cuidado especial en las palabras que usa y en qué momento las usa. Me sorprende especialmente los momentos de humor, como válvula de escape, tan inocentes y tan bien puestos.

Todo el montaje tiene un sello muy Arrevillagaesco (referente al reconocido director Hugo Arrevillaga): escenografías sobrias, muchos juegos con la luz y elementos mínimos muy simbólicos, el diseño sonoro, hasta la dramaturgia tiene el sello de lo que elegiría Arrevillaga; más allá de que esto lo notarán quienes conocen (y admiramos, en mi caso) el trabajo de Hugo, no se convierte en ningún defecto para la obra, solo una anotación al margen.

Victor Huggo Martín y Adriana Llabres se combinan maravillosamente: se trata de actores que entienden profundamente a sus personajes; su historia, su huella de dolor, sus alegrías ocultas; se trata de actores que se imbuyen completamente en sus personajes y en la historia.

Mención especial merecen la iluminación a cargo de Miguel Moreno y la música original de Brandon Torres; música e iluminación permiten de manera sutil que nos trasportemos hacia los momentos y lugares que plantea la obra y que la acción avance de manera natural.

El trabajo actoral y el magnífico trazo escénico, me hablan de un director que entiende su obra y la forma de transmitirla. Me quedo con la inquietud de estar atento al trabajo de Ro Banda, que si ya es interesante, en el momento en que pueda subvertir la sombra Arrevillaguesca y desarrolle una voz propia, será interesantísimo.

OLER LA SANGRE
Dramaturgia y dirección Ro Banda
Teatro La Capilla (Madrid 13, Coyoacán)
Lunes 20:30 hrs, $200
Hasta el 29 de febrero

NEGARSE A SER QUIEN SE ES

Llegar a ser quien eres y no quien debes ser.
Una máxima del destino

Por Viridiana Nárud @viridianeunice

“La deconstrucción de Paula” aborda la problemática de una mujer que se ha negado a ser quien es para formar parte del estereotipo social y materno acerca del ser mujer y cómo es que ésta debe comportarse. Cansada de la imposición social, Paula, cuestiona ¿qué es ser mujer?

La autora y actriz de la obra Fatima P. Arias, aborda de manera muy literal la problemática entre la madre verdugo y la hija víctima de los deseos de ésta. Si bien es cierto que el subtexto queda aniquilado, se encuentra una puesta en escena en una búsqueda, tratando de crear un discurso con el espectador y creativos, como escenografía, vestuario e iluminación.

Es cierto que el ritmo cae varias veces, no sólo por la dirección sino por un problema del texto que en ocasiones se muestra confuso en abordar el conflicto, ya que hace giños a la vida transgénero de una niña, sólo que ese tema se queda en las tinieblas sin ser abordado nunca. Sin embargo, es un trabajo honesto que merece ser visto ya que hace una reflexión ontológica que a todos nos interesa, ¿quién soy?

LA DECONSTRUCCIÓN DE PAULA
Autor: Fátima Arias
Director : Ireli Vazquez
Reparto: Fátima Arias / Alina Hernández
Género: Contemporáneo
Teatro El Granero
Paseo de la Reforma y Campo Marte s/n, Paseo de la Reforma, Miguel Hidalgo, 11560 Ciudad de México, D.F.
Jueves y viernes a las 20:00 horas, sábados a las 19:00 horas y domingosa a las 18:00 horas.
Hasta el 14 de marzo. Boletos en Ticketmaster

INCOMODIDAD ANTE LA ZONA DE CONFORT

“Los atormentados no pueden ser liberados por la psquiatría. No la necesitan. Les hace falta amor”.
David Mamet
Por Viridiana Nárud @viridianaeunice

David Mamet es un dramaturgo, ensayista, guionista y director de obras de teatro y cinematográficas. Ha escrito obras que han sido nominadas al “Oscar” y ganó el premio Pulitzer. En la película “El cartero siempre llama dos veces”, Mamet pone en la gran pantalla todas sus teorías y reflexiones acerca de la buena escritura. Pensamientos que podemos encontrar en el libro “Los tres usos del cuchillo”. Además, Jack Nicholson, un actor que se dio a conocer -en su juventud- por la buena elección de historias, interpreta al personaje principal de esta película. Todo esto es sólo para enunciar la importancia del autor.

Mamet se ha convertido en un referente en la dramaturgia y el cine por la creación de sus diálogos y situaciones dramáticas, siempre inesperadas y de un ritmo imperante; además de sus ensayos. Por lo tanto, al ir a ver las obras de este autor, el espectador tendrá pocas veces para quedarse en una zona de confort.

“La Anarquista”, dramaturgia de David Mamet, trata de una mujer encarcelada por haber sido partícipe de un atentado terrorista en el cual murieron dos policías. Treinta años después de haber sido encarcelada pide ser liberada ya que su padre se encuentra gravemente enfermo.

“La Anarquista”, se presenta en el Foro Lucerna, es dirigida por Enrique Singer, director que se ha dado a conocer por sus múltiples facetas y la elección de sus obras. Singer, no se repite a sí mismo y trata siempre de cambiar. No es la primera vez que toma en sus manos una obra de este escritor. Ya antes vimos su trabajo en “Oleana” y “El éxito a cualquier precio”.

En esta ocasión, no vemos a un Singer cobijado por las instituciones y sí por un grupo joven que está dispuesto a arriesgar todo para obtener éxito en taquilla, Petit Comité, producción que está a manos de Samuel Sosa y cuestionar qué se gana o pierde en esta otra cara del director.

Al hablar de las actuaciones de Lisa Owen y Marina de Tavira, habrá que ser puntual en una falla que afecta la interacción y atención del espectador. En el inicio la voz de Lisa Owen, quien interpreta a La Anarquista, es muy baja y difícil de escuchar. Conforme pasa la obra, la actriz se muestra más segura y domina el escenario con su presencia y todo se acomoda en un lugar en donde la fuerza del diálogo nos sumerge en un abismo que nos hace cuestionar no sólo nuestro interior, sino a nuestro gobierno. Cito a Mamet para explicar lo que sucede en esta puesta en escena ‘los actores […] emocionan al público ante su interpretación porque (el espectador) teme por su alma’.

En la iluminación, a manos de Gabriel Pascal, se nos muestra un mundo demasiado literal. En este caso sería necesario citar a William Blake, ‘nada real puede tener un comienzo literal’. En eso radica la belleza el arte, porque muestra la realidad de una manera libre sin ataduras a una lógica racional. Sería necesario que Pascal nos dibujara a través de distintos matices lumínicos la realidad emocional de los personajes y, de esta manera sumergirnos en la magia del hecho escénico.

La grandeza de los directores que llegan a una edad con reconocimientos y éxitos de taquilla, no sólo radica en la elección de sus compañeros creativos que darán vida a la imagen que se ha generado en su imaginario; también se expresa en la capacidad de riesgo y no repetirse. Así es como se nos muestra esta puesta en escena, anárquica y, un Singer que reafirma su incomodidad ante la zona de confort. El riesgo que toma el director, es algo que vale la pena correr ya que deja una sensación de impotencia no sólo por la vida del personaje, sino por la situación que hoy vive el mundo.

Dirección: Enrique Singer.
Dramaturgia: David Mamet.
Actuaciones. Lisa Owen y Marina de Tavira.
Escenografía e iluminación: Gabriel Pascal.
Dónde: Foro Lucerna.

ESPECTADORES DE LO TRÁGICO

Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

Una familia formada por madre, hijo y sobrino se ven envueltos en una dinámica de constantes enfrentamientos y agresiones. A raíz de una importante decisión que la madre ha tenido que tomar respecto a la vida y muerte de su hermana, se desencadenan una serie de dinámicas y ataques que buscan venganza. Los secretos, lo que se calla, lo que se ignora y también lo que se grita, forma parte de la guerra en la cual están inmersos todos sus integrantes.

El texto del canadiense Michel Marc Bouchard – a quien recordamos también por su obra“Tom en la granja”- pretende hacer una metáfora acerca de la putrefacción que sufre la humanidad y la excesiva violencia de la cual somos parte. Si bien es un texto que para muchos espectadores puede resultar atractivo e incluso provocador, es menester mencionar que tampoco es un texto sencillo en su interpretación.

La dirección de Boris Schoemann propone un ambiente impecable en el cual contrasta la inmundicia propia de un muladar, con la pulcritud que se mantiene al interior de la casa. Cabe destacar que la propuesta escenográfica de Xóchitl González ayuda a que el ambiente se logre; muebles negros y cortinas blancas hacen que la escena adquiera la fuerza que constantemente requiere.

Como antes mencioné, no es un texto sencillo. De tal manera que pueden distinguirse algunas carencias en las actuaciones. El personaje que interpreta Antón Araiza es posiblemente uno de los más complejos. La mayor parte del tiempo está en escena y tiene un gran número de textos, algunos muy largos y complejos. Sin embargo, logra a un personaje conflictuado y con una gran necesidad de vengar la muerte de su madre. Quizá el tratamiento subrepticio que imprime al personaje, coadyuve a que salga avante de manera convincente.

Con este montaje, Pilar Pellicer celebra más de cincuenta años de carrera; sin embargo y desafortunadamente su personaje no logra alcanzar la brillantez que esperaríamos. La mayor parte de la obra se ve apocada, en un tono que no genera algún movimiento emotivo en ella. Espero que su personaje adquiera mayor fuerza y termine por modificarnos de algún modo, pero no sucede.

Los personajes que interpretan Miguel Romero, Pilar Boliver y Teté Espinoza, hacen que la obra adquiera tempo: ritmo. Evitan que el espectador caiga rendido de cansancio ante la saturación de enfrentamientos y ataques que mantienen en un estado de tensión constante.

Bajo la mirada de las moscas es un montaje que tendríamos que ver. Vale la pena que desafiemos nuestra capacidad de atención y abramos la puerta a autores que son poco montados, pero que definitivamente están cargados de argumentos que vale la pena descifrar.

BAJO LA MIRADA DE LAS MOSCAS
De: Michel Marc Bouchard
Dirección: Boris Schoemann
Elenco: Pilar Pellicer, Antón Araiza, Teté Espinoza, Constantino Morán, Miguel Romero, Pilar Boliver, Mercedes Olea, Stefanie Izquierdo.
Funciones: Miércoles, Jueves y viernes 20:00 Hrs ; Sábados 19:00 y Domingos 18:00 Hrs.
Hasta el 07 de Febrero.
Teatro el galeón del Centro Cultural del Bosque
(Paseo de la reforma y campo marte s/n)

*Actor / Dramaturgo / Teatrista

Facebook.com/oscaralfontana

oscar.fontana@distritoteatral.mx