CHARLOTTE Y LA LÍNEA DEL TIEMPO

PARA SEGUIR HAY QUE OLVIDAR

Por Mireya Flores Marín* (@MireyaFloresM)

CHARLOTTE

Ante el olvido el recuerdo. Puesto que toda amnesia guarda en sí la huella de esa ausencia en la memoria, “Charlotte y la línea del tiempo” narra, construye y deconstruye la vida de Charlotte a partir de un suceso: se ha olvidado del décimo aniversario de la muerte de su padre, y su novio Alberto le propone hacer una línea del tiempo para encontrar la causa de ese olvido.

Con la intención de su dramaturgo y director, Jonathan Huesca, de permitirnos conocer quiénes son los personajes, como quien teje una red, los acontecimientos más escuetos y a la vez esenciales en la vida de Charlotte, se van uniendo punto por punto. Se trata de una obra simple en su estructura que explora conceptos tan complejos como el tiempo, la memoria y el desapego. Aunque busca asombrar con una perfecta reconstrucción de los hechos, el truco cae en la inverosimilitud cuando casi de forma estratégica los recuerdos de Charlotte coinciden con momentos claves del acontecer social, como la muerte de Kurt Cobain.

La dirección consigue llevarnos por esa delgada línea en el tiempo, en ese mirar hacía atrás que nos llena tanto de nostalgia como de alegría, con un ritmo a veces efusivo y otras pausado, según la emoción del recuerdo; sin embargo, todo esto sucede desde la superficie ya que la dirección y la actuación descuidan el mundo interior de los personajes, quienes exploran los sentimientos de forma externa y no se permiten caer en el fondo de estos.

Víctor Galván como Alberto, se muestra más preocupado por colocar el estambre, pegar notas, apuntar datos y demás tareas escénicas que por interiorizar lo que Charlotte le está narrando; su actitud nerviosa es siempre la misma, no se percibe una búsqueda de las posibilidades y matices de quien siente ansiedad o angustia. Si bien, la actuación de Monserrat Simó permite sostener y dar mayor dinamismo a la obra, existe cierta resistencia por rastrear más allá de lo evidente.

La puesta en escena, además de presentar la sala del departamento de Charlotte y Alberto, se enriquece con elementos escenográficos que dotan de encanto simbólico el espacio: un reloj de pared pone al tiempo como eje de la trama; pequeñas hojas de papel autoadhesivas colocadas por doquier subrayan el deseo de no olvidar; estambre rojo que más que representar la línea del tiempo de Charlotte, nos remite al entretejido de causas y efectos que dan significado a su vida, un tejido que incluso a manera de telaraña termina por atraparla, tal y como sus recuerdos, y que poco a poco conseguirá desmarañar. Asimismo, una caja resguarda objetos, tal como nuestra mente y nuestro corazón conservan los recuerdos, las alegrías y los dolores que llevamos con nosotros.

Con todos estos elementos “Charlotte y la línea del tiempo” busca decirnos que la vida debe seguir, y para eso es necesario olvidar.

 

Charlotte y la línea del tiempo
Dramaturgia y dirección: Jonathan Huesca
Con: Monserrat Simó y Victor Galván
Jueves 8:00 pm
Del 8 de enero al 5 de marzo
Foro Shakespeare, Espacio Urgente 2.
Zamora 7, Col. Condesa.

 

*Mireya Flores es Máster en Artes Escénicas por la Universidad de Vigo, España; tiene un posgrado en Políticas y Gestión Cultural con la especialidad en Producción y Difusión de Espectáculos Escénicos por la Organización de Estados Iberoamericanos (OEI) y la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM); es Licenciada en Ciencias de la Cultura por la Universidad del Claustro de Sor Juana. Además, tiene formación en danza y en teatro.

 

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EN LA SOLEDAD DE LOS CAMPOS DE ALGODÓN

Por Pablo Iván García (@garciapabloivan)

soledadAlgodon

Si eres un espectador poco familiarizado con el teatro contemporáneo, te sorprenderá la ausencia total de mobiliario y utilería. La puesta en escena de Nora Manneck, resulta indispensable para el público ávido de teatro sólido, con un verdadero trabajo de dirección de actores: Fernando Bueno y Daniel Bretón conforman una mancuerna poderosa, que pone en juego la profunda carga metafórica de los diálogos escritos por el ya desaparecido dramaturgo francés Bernard-Marie Koltés, para llevar al espectador por diversas interpretaciones respecto a una misma historia: dos desconocidos se encuentran en un sitio despoblado e incierto.

Los trazos y tareas escénicas de Bueno y Bretón esbozan el ambiguo espacio donde transcurre esta “historia”; historia entre comillas, porque sería difícil decir qué es lo que sucede: parecería que no pasa nada, aunque hay un conflicto latente, que atrapa la atención del público.

Daniel Bretón interpreta a un hombre adulto en aparente declive, que proviene de la “civilización” y camina por un extenso descampado, en medio de la noche. Su traje desgastado nos hace pensar que ha abandonado su cotidianidad, para ir en busca de algo que tal vez él mismo no sabe qué es.

Por su parte, Fernando Bueno encarna a un joven amenazante, que vive “a salto de mata” en las profundidades del campo, y a quien la vida ha tratado con dureza; sus movimientos recuerdan a los pandilleros y ex convictos: el free style inunda sus diálogos y movimientos, logrando una peculiar verosimilitud.

Los ambientes creados a partir del diseño sonoro y de iluminación complementan un mundo misterioso, extraño, pero bien delimitado. No hay escapatoria, tampoco una ruta definida: estos dos sujetos enfrentarán una batalla filosófico-poética, en medio de la nada.

 

EN LA SOLEDAD DE LOS CAMPOS DE ALGODÓN
Dramaturgia: Bernard-Marie Koltés
Dirección: Nora Manneck
Con: Fernando Bueno y Daniel Bretón
Festival de Teatro Independiente
29 de enero
Casa Actum
Héroes del 47 No. 9, Coyoacán
Jueves 18:00 hrs.
ENTRADA LIBRE

VIAJE A LA LUNA

DESCALZOS, CAMINO HACIA ELLA
Por: José Manuel Lira C.* (@jomalira)

Viaje a la Luna587

Llegar a un teatro y no ver butacas, no saber dónde comienza el escenario ni cuál es el espacio para el público; entrar y sentirte parte de un sueño, en calma, seguro, en terreno de confort.

Personajes que aparentemente no hablan, pero a quienes entendemos a la perfección y que, cuando llegan a pronunciar un par de palabras, pareciera lo hacen con la mirada, con el cuerpo, por el deseo de expresar una meta cumplida.

Producida por la compañía La edad del loro -responsables también de montajes como “La niña que riega la albahaca” y “El príncipe preguntón”-, “Viaje a la luna” es una obra inteligente, que interactúa con su público, donde niños y adultos se logran sintonizar en una misma frecuencia, soñando lo mismo, deseando por igual. Los actores hacen acrobacias, manejan títeres y producen sonidos que involucran todo su cuerpo; con el objetivo de recordar la inocencia y hacer converger la diversión y la reflexión.

“Viaje a la luna” es la historia de un chico que solía recordar todos sus sueños de manera detallada: olores, texturas y colores, hasta que un día ya no pudo recordar más. En esta fábula será posible comer burbujas, subir escaleras, abrir cofres y hasta tratar de atrapar la luna.

La escenografía, diseñada en tonos azules, incluye plumas y bombas de jabón, música en vivo, así como personajes que entran y salen, suben y bajan, producto de una ilusión realista o una realidad soñada. Los actores se notan comprometidos: saben que el público infantil es inteligente y que deben dirigirse a éste como tal.

“Viaje a la luna” tiene su origen dentro de la Maestría en Dirección Escénica de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT). Es el proyecto de egreso de Verónica Albarrán, becaria del programa Jóvenes Creadores (FONCA). Del mismo modo, el elenco proviene de la licenciatura en Actuación (ENAT).

VIAJE A LA LUNA
Dirección: Verónica Albarrán
Con: Benjamín Martínez, Brenda Urbina, Héctor Wong, Alberto Cerz y David del Águila
Foro La Gruta
Av. Revolución 1500, Col. Guadalupe Inn.
Domingos, 13:00 hrs.
Del 11 de enero al 29 de marzo.
$100
Boletos en Ticketmaster.

*Licenciado en Comunicación Social (UAM-X), actualmente estudia el tercer año de la licenciatura en Actuación (ENAT/INBA). Escribe sobre teatro en su blog personal: expectativateatral.wordpress.com

EL CURIOSO INCIDENTE DEL PERRO A MEDIA NOCHE

Por Artemisa Tellez (@artemisatellez)*

curioso

Un teatro Teatro de Los Insurgentes a reventar. Boletos a precios exorbitantes. Mucho boca a boca también, mucho “te va a gustar”, “tienes que verla”. Una obra que ganó el premio que otorga la Agrupación de Periodistas Teatrales hace dudar a cualquiera: tal vez sí me estoy perdiendo de algo…

La premisa es interesante y sencilla: un adolescente con síndrome de asperger corre la aventura de su vida tratando de develar el misterioso asesinato de un perro. Esta inspiradora historia de superación basada en la novela Mark Haddon se convierte a manos de la producción de Tina Galindo, Claudio Carrera y Ocesa en una comedia irrespetuosa y plana donde cada actriz y actor hace lo que tantas veces los hemos visto en películas y telenovelas, sin importar que los roles que están interpretando sean totalmente distintos a los de sus otros trabajos. El actor principal (Alfonso Dosal) hace gala de desconocimiento y busca constantemente hacer reír con una pobre interpretación de la personalidad asperger y que desde mi punto de vista, fomenta el alejamiento y la burla que el autor original buscaba combatir.

Acepto que la escenografía de Jorge Ballina me pareció interesante, acepto que la historia en sí prometía, acepto también que confié en quienes me dijeron que era una gran puesta en escena… A los cinco minutos de la primera llamada me estaba arrepintiendo; el escenario se llenó de bailarines disfrazados y temí por un momento que fuera un musical. Ese es el único defecto que la obra no tenía, sin embargo (y con más razón) me pregunté ¿para qué se necesita un ballet entonces?

El curioso incidente del perro a medianoche, es un maravilloso ejemplo de transformación y esfuerzo llevado a las tablas por personas que no la analizaron ni entendieron y se fiaron tan sólo de la enorme capacidad de convocatoria e influencia de los grandes medios masivos para posicionarse y sostenerse.

El curioso incidente del perro a medianoche
Adaptación: Simon Stephen
Basada en la novela de Mark Haddon
Dirección Francisco Franco
Reparto: Alfonso Dosal, Claudia Ramírez, Mónica Dionne, Luz María Aguilar y Moisés Arizmendi,
Viernes 18:00 y 20:30 hrs, sábado 18:00 y 21:00, domingos 18 hrs.
Foro Chapultepec
Mariano Escobedo #665, Col. Anzures, Del. Miguel Hidalgo,
Adolescentes y adultos
$400, $500 o $600

Recomendamos leer también el texto de entretenia.com http://bit.ly/1vtYodR

*Escribidora, tallerista y teatrohólica

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EL PRÍNCIPE FELIZ

EL ORO NO ES LA FELICIDAD
Por Xósem Amero (@XosemAmero)*

PrincipeFeliz

Había una ciudad hace mucho, mucho tiempo, donde los ricos vivían despreocupados mientras los pobres, que eran mayoría, sufrían hambre y frío. Una ciudad donde se admiraba lo hermoso, lo elegante, lo lujoso. Y es que lo que no tiene esas cualidades, no sirve para nada. Los pobres son pobres porque quieren, son flojos. La dicha está destinada a unos cuantos para que la gocen. Para entender la realidad de otra manera es necesario atreverse a verla desde otra perspectiva, con otros ojos para apreciar que la felicidad radica en lo que se puede hacer por los demás y no en lo que se tiene. El arte y placer de dar son las cosas más importantes en la vida: el príncipe feliz.

Enrique Cahero y Olga Cassab toman el cuento de Oscar Wilde y lo convierten en un musical que conserva la esencia del relato original. Un príncipe que en vida nunca conoció la desdicha pues en la mansión de la despreocupación, donde habitaba, no se le permitía la entrada al dolor. Su estatua dorada, colocada sobre una columna en lo alto de la ciudad, era admirada y respetada por todos los pobladores porque era muy hermosa y simbolizaba la alegría eterna. Sin embargo, la realidad era muy distinta. El príncipe estaba muy triste al darse cuenta de la miseria en que vivían los pobres y el egoísmo de los ricos.

Los protagonistas de esta historia son el Príncipe Feliz, personificado por Óscar Piñero, y la golondrina, Sofía Silva. Ambos personajes tienen su encanto particular y proyectan los valores que promueve el cuento. A Óscar le toca representar la sabiduría y compasión del monarca que enseña y guía al joven a hacer lo correcto. Sofía es la libertad, la pasión juvenil que vuela de un lado a otro. A ella le toca ser la discípula que aprenderá que el amor está en la profundidad del ser y no en la apariencia. Ambos actores entienden su rol y transmiten su sentir en sus diálogos, acciones y canciones.

Emmanuel Márquez dirige al elenco de quince actores en escena. Los musicales no son nada fáciles. En este caso, la combinación de coreografías y diálogos en conjunto sale bien librada. En las canciones corales se usa playback. Es la mejor opción para obras con recursos limitados. Los solos, que sí se cantan en vivo, llevan el riesgo de exponer al cantante a que por momentos no se le escuche bien, no se le entienda o se sature el sonido. Sin ser profesionales del canto, queda claro que todos ponen lo mejor de sí mismos para sacar adelante sus piezas.

El Príncipe Feliz es una entrañable historia de valores para toda la familia. Un cuento de hadas llevado a musical que cumple con las funciones de divertir a los pequeños, hacer reflexionar a los adultos y dejar un mensaje de que en la vida las cosas no tienen que quedarse como están. Siempre hay una opción diferente, otro camino por el que se puede transitar hacia la felicidad.

El Príncipe Feliz
De: Cahero – Cassab
Basado en el cuento de Óscar Wilde
Dirección: Emmanuel Márquez
Con: Óscar Piñero, Sofía Silva, Diana Avellaneda, Rodolfo Padilla, Cristhian Vasa, Pamela Ramírez, Joyce Yeo, René Delgadillo, Rubén Egeo, Mathías Figueroa, Daniel Mejía, Dan Alcocer, Lorena Olguín, Karina Miranda y Eduardo López.

Teatro Hidalgo
Av. Hidalgo 23, Colonia Guerrero.
A partir del 3 de enero
Funciones Sábados y Domingos 11:30 am y 1:30 pm
Boletos desde $80
Foto: Lía Rueda

*Xósem Amero es egresado del ITESM. En la actualidad toma el diplomado de creación literaria en la Sogem. Escribe novela, dramaturgia, guión y ensayo. En las mañanas suele correr por el bosque, en las tardes se transforma en escritor.

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¿ESTÁS AHÍ?

CUANDO ESTAR NO SIGNIFICAR AMAR

Por Mireya Flores Marín* (@MireyaFloresM)

EstasAhi587

Crean o no en fantasmas ¿Estás ahí? es una comedia que los llevará de la risa hacia ese extraño malestar que provoca reconocer que la vida y el amor tienen caducidad. Temas difíciles de enfrentar, ¿quién quiere reconocer que ya no ama a su pareja o, peor aún, que ya no es amado? Con un tono ligero y un ritmo rápido, la historia se desenvuelve entre sorpresas, no sólo las de la trama sino, además, las que con efectos especiales hacen aparecer y desaparecer lo ahí presente.

Ana y Fran llegan a su nuevo departamento sin sospechar que el lugar ya es habitado por un caprichoso fantasma, que sólo Fran -un mago poco exitoso- consigue ver y con quien establece una relación determinada por juegos y enredos que ponen sal y pimienta a la situación. A la par, comienza a delinearse la relación existente entre Ana y Fran, una pareja desgastada, que ha preferido callar y mantenerse ahí. Un inesperado acontecimiento sirve para exponer que en ocasiones amamos más la ausencia que la presencia de alguien.

Las actuaciones de Gabriela Zas Montero (Ana) y Óscar Piñero (Fran) son buenas, aunque hay momentos más destacables que otros, consiguen el tono fresco y espontáneo de la comedia, y responden efectivamente con un trabajo corporal exhaustivo que los hace ser y no ser al mismo tiempo. La dirección de Javier Dualte se enfoca en hacer visible lo ausente, un trabajo complicado, considero, que más allá de eliminar la huella de lo presente para crear fantasmas, se preocupa por exponer en lo presente lo que ya no ésta; así como el amor entre los personajes.

Entre la comedia y el drama, esta obra arrebata risas pero también provoca tristeza al mostrar la complejidad de las relaciones amorosas. El amor se trata de estar, y no me refiero sólo a una cuestión física, sino a una voluntad espiritual de acompañar al otro; por ello la pregunta que se lanza es: ¿estás ahí? Respondamos y tengamos el valor de dejar ir a los fantasmas que nos habitan.

¿Estás ahí?
Dramaturgia y dirección: Javier Dualte
Foto: Yanko Bribiesca
Elenco: Gabirela Zaz Montero y Óscar Piñeiro
Sábado 19:00 y domingos 18:00 hrs.
Del 24 de enero al 1 de marzo
Un Teatro
Nuevo León 46, Condesa

*Mireya Flores es Máster en Artes Escénicas por la Universidad de Vigo, España; tiene un posgrado en Políticas y Gestión Cultural con la especialidad en Producción y Difusión de Espectáculos Escénicos por la Organización de Estados Iberoamericanos (OEI) y la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM); es Licenciada en Ciencias de la Cultura por la Universidad del Claustro de Sor Juana. Además, tiene formación en danza y en teatro.

SOMBRA DE TU SOMBRA

SOMBRAS NADA MÁS…
Artemisa Téllez*

sombras

En medio de una escenografía encantadora y diferente se desarrolla una historia lésbica de crimen y pasión descontrolada. Dos mujeres que aparentan haberse amado por mucho tiempo son en realidad dos enemigas entrañables que tratan de aniquilarse una a la otra, pero sin separarse.

Esta historia, que podría ser objeto de un drama intenso e inolvidable, es una puesta floja y poco creíble realizada por dos bellas actrices que en ningún momento aparentan amarse ni odiarse. No se explica en ningún momento las motivaciones profundas de su conflicto y se dejan al aire la mayor parte de los elementos que harían posible que nos involucráramos con la propuesta.

“Sombra de tu sombra” es una obra de suspenso sin suspenso con un final que raya en la comedia involuntaria.

Sombra de tu sombra
Cada quince minutos. Jueves y viernes a partir de las 21 hrs.
Sábados a partir de las 20 hrs. Domingos a partir de las 19 hrs.
Adolescentes y adultos
Roble 3, Santa María la Ribera
Hasta el 14 de diciembre
$60

*Escribidora, tallerista y teatrohólica

LA TIERRA QUE PISO

LA TIERRA QUE ME PISA
Artemisa Téllez*

Latierra

Un hombre solo sobre la tierra removida. Un hombre solo en la obscuridad del bosque. Un hombre solo monologa (¿dialoga?) en el frío de la madrugada y en camiseta. En sus ojos un furor enfebrecido. En su ropa una masa obscura de tierra y sangre y debajo de la tierra removida: el cuerpo de su amante.

La pasión es un camino retorcido y sinuoso, imposible de ser recorrido por quienes, como el protagonista, no son lo que parecen…

La tierra que piso
Cada quince minutos. Jueves y viernes a partir de las 21 hrs.
Sábados a partir de las 20 hrs. Domingos a partir de las 19 hrs.
Adolescentes y adultos
Roble 3, Santa María la Ribera
Hasta el 14 de diciembre
$60

*Escribidora, tallerista y teatrohólica

FAMILIA SUPERHÉROE

FAMILIA HIPERREALISTA
Artemisa Téllez*

superheroe

Quienes aman el realismo y huyen de toda puesta que huela a fantasía, surrealismo o “mentira” se sentirán atraídos por Familia superhéroe, ya que desde el momento que se entra al pequeño cuarto en que se lleva a cabo la obra, uno se siente como invadiendo la privacidad de un espacio a un tiempo desconocido y familiar: una pequeña casa de vecindad en un barrio popular de la Ciudad de México. Los personajes visten y hablan como se viste y habla en las calles y su problemática -dos jóvenes hermanos que se quedan huérfanos y solos- puede ser la de cualquiera…

El dolor, el desconcierto, la ignorancia, el deseo, las buenas intenciones, la fraternidad, la violencia quieren formar parte de este breve atisbo, sin embargo la historia, melodramática y predecible, deja mucho que desear y se queda sólo como una anécdota tan triste como inverosímil.

Familia superhéroe
Cada quince minutos. Jueves y viernes a partir de las 21 hrs.
Sábados a partir de las 20 hrs. Domingos a partir de las 19 hrs.
Adolescentes y adultos
Roble 3, Santa María la Ribera
Hasta el 14 de diciembre
$60

*Escribidora, tallerista y teatrohólica

EL HIJO DE MI PADRE

GENIALIDAD IMPERDIBLE
Artemisa Téllez*

el hijo padre

Maxi, un niño de seis años, se muda junto con su familia a un barrio marginal de Tijuana, ahí conocerá la amistad y la sangre, la fuerza de sus puños, lo malo que es “cogerse” a alguien y el odio que le tiene a su padre.

Este monólogo atrapa desde la primera frase, su ambiente, limítrofe y popular muestra sin concesiones ni adornos la crueldad del mundo infantil en medio de un mundo adulto sanguinario e indiferente. En él no hay una lágrima, un escondite seguro, una sola muestra de compasión; toda la solidaridad del mundo está destinada a las fechorías, a las agresiones que definen el carácter de los hombres machos del norte.

La crítica es voraz y sin cuartel: la identidad masculina se describe como una obligación con la violencia que destruye poco a poco la identidad del personaje para convertirlo en uno más dentro de una pandilla.

Adrián Vázquez, su dramaturgia impecable, su pasión en el escenario, su perfeccionismo febril, su cruel desenfado, hacen que cada estreno o reestreno se multiplique el deseo de irlo a ver. Es un hombre de teatro original y único que mueve pies, manos y corazones ansiosos de participar de esa vorágine que se desarrolla dentro y hacia fuera de él.

La elocuencia, el dinamismo, la oralidad de los distintos personajes representados por Vázquez hacen de esta puesta otra genialidad imperdible del joven clásico del teatro nacional.

El hijo de mi padre
Hasta el 15 de diciembre
Lunes 20 hrs.
Adolescentes y adultos
Sala Xavier Villaurrutia
$150. Estudiantes, maestros e INAPAM 50%. Tarjetas maestros a la cultura y Sépalo 50%. Gente de teatro $45 cada entrada en la compra de dos.

*Escribidora, tallerista y teatrohólica