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Reseña: CEREMONIA SIN FLORES

Estamos aquí reunidos para celebrar la unión entre estos dos idiotas
Por Viridiana Tovar

Y fueron felices por siempre: célebre frase seguida por una carcajada estrepitosa –en el mejor de los casos- o un incómodo y acorde silencio sepulcral. Neurosis y terror parecen ser los ingredientes en esta ceremonia, donde los deseos de amor y felicidad se desafinan con la realidad de un matrimonio arreglado por mero interés. Sin embargo, por parco que se tinte el panorama, es la carcajada estrepitosa la que resulta de ver a una madre que necesita “tomar algo para equilibrar sus emociones con lo que está pasando” –apuesto por prozac-, la novia el día de su boda… y en su primera vez con el prozac, su hermana ebria y su amiga optimista y por consecuencia incómoda.

Foro A Poco No
República de Cuba 49, Centro Histórico
Martes y Miércoles 20:30 hrs.
Del 30 de Enero al 7 de Marzo
Dramaturgia y Dirección: Patricio Ruiz
Elenco: María Fernanda Bada, Fernanda Echevarría, Gabriela Guraieb y Carmen Ramos.
Boletos: $156. Descuento del 50% a estudiantes, maestros, personas con discapacidad, trabajadores de gobierno e INAPAM con credencial vigente. Aplican restricciones.

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Valeria Fabbri: Hacer lo que te gusta

Valeria Fabbri,  joven actriz y dramaturga, con su compañía Me dijo, le dijo, le dije, presenta su Ópera Prima en el Teatro Benito Juárez.

POR JOHANA TRUJILLO A. (@jOtrujilloA) / FOTO ISAEL ALMANZA COLUNGA

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Conocí a Valeria cuando estaba por iniciar temporada de HOY SE MURIÓ MI TORTUGA en el Teatro La Capilla en 2016. El título de su obra me parece curioso y genuino, incluso la sinopsis me lleva a “La elegancia del erizo” de Muriel Barbery (que no he terminado de leer). Charlar con ella ya fuera durante uno de sus ensayos en el teatro, por mail o por whatsapp ha sido tan espontáneo y genuino que quiero que la conozcan.

Valeria intenta hacer lo que le gusta. Decir que es actriz, no la define, la acota a una condición laboral. Le encanta este oficio, todo el tiempo se descubre curiosa, encantada, ilusionada, decepcionada, en crecimiento, y contrariamente cada vez más ignorante, ante este universo del teatro. Su vida no gira sólo alrededor del teatro. Hay otros aspectos que son igual de importantes en su vida como ver a su familia, enamorarse o andar en bici.

Tiene varias motivaciones detrás del teatro: trabajar con la tranquilidad de saber que hace lo que le gusta. Esa es valiosa y es motivo de orgullo para ella.Otra motivación es la simple satisfacción que le trae el hacerlo. También, tiene que ver con contagiar a otras personas de cierto gusto y curiosidad por el teatro. No trata de cambiar al mundo pero sí de compartir con otras personas su mundo.Por último, uno de sus objetivos y motivación dentro de esta carrera es ser sobresaliente, sin que sobresalir signifique excluir a otras personas.

Cuando le pregunto sobre cómo surgió en ella el gusto y curiosidad por el teatro me cuenta que en realidad no empezó a conocer el teatro hasta que se quedó en la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT) en el Centro Nacional de las Artes. La primera vez que fue al teatro estaba en el primer año de la carrera. La obra que vio fue “Los sueños de Paco”, que le hizo confirmar sus ganas de dedicarse a esto. La obra la dirigió Carlos Corona, con quien más ha trabajado desde que salió de la escuela y a quien le tiene mucho cariño.

Sin embargo, su gusto y curiosidad siempre estuvieron ahí, desde niña. Valeria Fabbri era de esas niñas “que le echaba un buen de ganas y se ponía bien intensa en las obritas de la primaria, actuaba, dirigía y toda la cosa”. Además, muchos en su familia son músicos lo que hizo que desde muy pequeña tuviera contacto con el escenario a través de la música y el canto.

La actuación siempre llamó su atención. “Me acuerdo que  cuando veía de pronto las novelas infantiles mexicanas me molestaba.  “Como que están muy falsos, los niños” Pensaba. Siempre me imaginé que eran los hijos de los mismos que estaban en la producción, o algo así, y eso me “ardía” ”, comenta.

Explorar la dramaturgia no fue por azar fue por decisión. Antes de escribir HOY SE MURIÓ MI TORTUGA, obra que presenta en el Teatro La Capilla los sábados a las 12:30pm hasta el 17 de diciembre, Valeria ya llevaba unos meses con la curiosidad y la intensión de escribir una obra, pero a la fuerza no le salía nada.

“Tampoco quiero decir que es sólo cosa de que te llegue la inspiración, creo que uno tiene que tener cierta determinación para llevar a cabo sus metas.Disfruté muchísimo el proceso de escribir, de probar mi texto con otras personas, de corregir, afinar y definir. Sé que es el primero de muchos.”, me comparte. La obra la empezó a escribir el día que realmente se le murió su tortuga. No tenía idea de qué iba a tratar, simplemente decidIó que se iba a llamar “Hoy se murió mi tortuga”.

Para Valeria, escribirla fue un proceso interesante. “Cada vez que avanzaba una tanto más, organizaba una lectura con los actores para escucharla y darme cuenta de cómo estaba pasando la información. También, una vez que terminé de escribirla, en tres reuniones distintas con amigos y familia, se las leí. Me emocioné de ver sus reacciones, notarlos contentos y recibir lindos comentarios. Fueron como una especie de sensor para detectar si la obra iba a funcionar o no.”

La obra la estrenaron en el Festival Internacional de Teatro Universitario organizados por la UNAM. Después de esa función que se dio la oportunidad de presentarla con una pequeña temporada en el Teatro La Capilla, “un espacio emblemático del teatro mexicano independiente y  contemporáneo.” en 2016.

Sobre sus planes para su compañía Me dijo, le dijo, le dije agrega: “Primero. queremos que HOY SE MURIÓ MI TORTUGA empiece a sonar un poco más dentro del círculo teatral. Honestamente estamos contentos con este primer proyecto. Nos  sentimos orgullosos y creemos que es algo que puede gustarle a muchos. Estamos enfocados ahorita en que esta obra tenga buena, bonita  y larga vida.

Los objetivos y planes que tenemos con  nuestra nueva compañía es generarnos proyectos propios desde la elaboración del texto hasta la tercera llamada. Sin jerarquías. Todo a nivel horizontal.

Ya está escrito el siguiente texto, por uno de mis compañeros. Texto que por cierto no he leído.

Actualmente estará en temporada en el Teatro Benito Juárez (Villalongín 15, Col. Cuauhtémoc), del 1 al 18 de febrero, los jueves y viernes a las 20:00 horas, sábados a las 19:00 y domingos a las 18:00 horas.

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Reseña: ASATIA

O LA AUSENCIA DE UNO MISMO EN SU PROPIO SUEÑO

Soltar todo y largarse. Qué fascinante
volver al santo oficio de la veleta,
desnudando la vida como un bergante
y soñando que un día serás poeta.
Silvio Rodríguez

reseña-asatia

Fredo Godínez (@AlfiePingtajo)*

I

Una joven mujer con un estuche de chelo y ropa casual, un hombre en pijama con bata y bajo el brazo una laptop, un sillón, una alfombra y un par de sillas son los elementos que se vislumbran en el escenario y que me reciben al ocupar mi banca en el teatro.

Acto seguido, presenció -a lo largo de sesenta minutos- una historia que por sencilla sé que fue compleja en su gestación.

La obra cuenta la historia de Paula, una joven estudiante de música que se especializó en el chelo. Y cuyo sueño, siempre ha sido tocar algún día para la Filarmónica de Berlín. Toda su energía y vida ha sido invertida para conseguir ese sueño. En el camino ha sacrificado familia, amigos, vida social y amorosa; pues nada es más importante que lograr ser una chelista en tan prestigiada Filarmónica. Empero, la vida, dios, el diablo o sepa qué o quién chingados, le tienen destinada a Paula una vuelta de tuerca que la obligará a escoger entre seguir sacrificándose en pos de su sueño de toda la vida o aceptar el exquisito regalo que le han puesto en bandeja de oro.

II

Conforme avanza la obra no sólo me va atrapando por las estupendas y redondas actuaciones de Verónica Bravo y Eduardo Orozco, sino que también me voy sintiendo identificado con la travesía interna y externa que está teniendo la protagonista de la historia. De pronto, en lugar de que Paula esté hablando y actuando, siento que soy yo quien está en el escenario ofreciendo mi historia a unos cuantos desconocidos.

Son casi tres años los que tengo viviendo un sueño: habitar en la Ciudad de México y formar parte de la Secretaría de Cultura. Una vez que mi primer sueño de jugar con el equipo de mis amores y frustraciones: el Puebla de la franja se desbarató; nació otro: convertirme en escritor y en un destacado miembro de la cultura poblana y mexicana. “Asatia” de pronto es el espejo en el que no me atrevo a mirarme y preguntarme: ¿en qué lugar estoy parado? ¿Cómo llegué a ese lugar? ¿Ha valido la pena todo lo sacrificado en afán del sueño que estoy viviendo? ¿Si esto es lo que siempre busqué, por qué siento –siempre- que no basta con lo alcanzado hasta ahora? ¿Por qué no soy del todo feliz? ¿Soy yo el que sigue viviendo el sueño que tanto quise o acaso son mis ruinas las que lo habitan?

III

Durante los casi tres años que llevo viviendo en la Ciudad de México, he visto todo tipo de Teatro; la cartelera teatral de esta ciudad es rica en estilos, estéticas, géneros e historias. Empero, pocas son las obras que contienen entraña y que buscan reflejar la condición humana y, sobre todo, que le cuenten al espectador historias cercanas a su día a día.

“Asatia” lo logra y con profunda redondez.
“Asatia”, de una manera sencilla, nos ofrece una ficción que contiene todo: amor, esperanza, miedo, sensación de vacío y abandono, desolación.
“Asatia” nos recuerda que vida sólo hay una y habría que vivirla de la mejor forma que nos plazca como individuos y sin importarnos el qué dirán.
“Asatia” es el lugar en el que todos hemos habitado y pocos hemos logrado salir.
“Asatia” es un viaje interno.
“Asatia” es el lugar donde existe un héroe, un villano y una princesa a quien rescatar: uno mismo.

IV

Muchos dramaturgos, directores y actores se han preguntado por qué hay demasiadas butacas vacías en los foros en los que presentan sus obras. Factores hay muchos, desde una pésima labor de difusión, hasta unos costos lejanos a la realidad del bolsillo promedio del mexicano, pasando por un pésimo desconocimiento del target que su obra tiene. Empero, el más importante tiene que ver con el contenido. Como espectador disfruto de obras que me cuentan una historia palpable, tangible. Historias lejanas de toda pretensión y que me permitan conocer los más agudos miedos del dramaturgo y sus más oscuras pasiones; obras que le permitan a los actores ser “otros” sin dejar de ser “ellos”; obras cuyas historias puedan pasar en Londres, pero sentir que pasan a la vuelta de mi casa o mi propio cuarto.
Quizá, a muchos dramaturgos les hace falta leer un libro de Italo Calvino: Seis propuestas para el próximo milenio.

-o-o-o-o-

Ahora está en temporada hasta el 23 de febrero aquí

 

*Gestor cultural y poeta en sus ratos libres.

**El texto publicado es responsabilidad de su autor.
DISTRITO TEATRAL es el amigo que te recomienda qué ir a ver de la cartelera teatral no comercial en la Ciudad de México. Creemos en el poder de la cultura para transformarnos al dar sentido a lo que vemos. #Amamoslacultura y #vamosalteatro a descubrir qué vale la pena ir a ver, compartir, recomendar y conversar de ello. También entrevistamos a figuras clave de la escena en la Ciudad de México.

 

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Reseña: Una vez nunca más. Nevermore!

Artemisa Téllez* (@artemisatellez)

nuncaMas

Un solo hombre. La obscuridad. Su historia de amor. La obscuridad. Su duelo. La obscuridad. Su locura. La obscuridad. Su misterio. La obscuridad. Y el encuentro definitivo con el hoyo negro que lo ha acechado desde que conoció y amó a una mujer de nombre infinito: mar. Basada en el más famoso poema de terror de todos los tiempos, “El cuervo” de Edgar Allan Poe, Una vez nunca más representa el esfuerzo de Alejandro César Tamayo (director) y Carlos Álvarez (actor) por establecer un abordaje novedoso al texto de 1845. Un viaje inesperado y sin retorno por los senderos de la pasión humana, una ventana abierta hacia la intimidad convulsa de quien delira a través de una serie de acontecimientos dolorosos e inexplicables: “el sueño dentro del sueño” es, más bien, una pesadilla.

*escribidora, tallerista y teatrohólica

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Reseña: INHABITABLE

Por Viridiana Tovar (@AlbusViridi)

“El tiempo comparte el mundo con nosotros y tiene una escoba que nos está barriendo del camino ya sea que lo enfrentemos o no”

Derivada de la obra de Tennesse Williams “No puedo imaginar el mañana”, esta puesta en escena nos habla inhebitablemente, de la inhabitable habilidad que dos personas viven en su evasión; ahogados al dolor de vivir, ha rebasado sus huesos y ha comenzado a habitar en su cocina, en el vaso opaco de su mesa de noche y en el otro, el que los acompaña con una mirada titubeante y desubicada, en el que pueden dirigir con proyectil emoción sus propias frustraciones, quizás poco más que el sillón pero menos que la lámpara que los ilumina, ese otro, parece compartir la eterna culpa de vivir en el tiempo incesante inercia incertidumbre que los estampa de cara contra una muralla en obra negra: la rutina compartida.

“Después de un par de días apenas nos notaremos mutuamente”

INHABITABLE
Dramaturgia: Josué Barbaloza y Roxana Vázquez
Dirección: Miguel Ángel Vázquez
Elenco: Roxana Vázquez – Simón
Josué Barbaloza – Jesús
Funciones: Miércoles 13 y 20 de Diciembre 20:45 hrs.
Espacio Urgente 1 de Foro Shakespeare (Zamora 7, Condesa.)
Entrada general $250

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HABLEMOS DE AMOR,

LO QUE ES PURAMENTE EL AMOR.
Una puesta en escena sobre el amor escenificando autores que lo han tomado como excusa para explorar la condición humana.

Por Johana Trujillo (@jOtrujilloA)*

Nos recomendaría Ortega y Gasset que hablemos  de  amor,  pero  comencemos  por  no  hablar  de  “amores” porque son historias más  o  menos  accidentales entre  hombres  y mujeres, entre mujeres y mujeres, entre hombres y hombres donde intervienen factores innumerables que complican y enmarañan su proceso, habiendo en ellos de todo menos lo que merece llamarse amor. ¿Quisieras averiguar “lo que es propia y puramente el amor”?

 

En entrevista con Distrito Teatral, Michelle Jurado, co-productora y actriz del elenco “Hablemos de amor”, habló sobre la puesta en escena adaptada y dirigida por Jorge Robles, y llevada a escena por un grupo de actores y actrices con prometedora trayectoria en televisión y teatro. El proyecto parte de la pregunta: ¿por qué estamos tan alejados del amor si todo el tiempo decimos que queremos amor en nuestras vidas?

 

“Todos estamos buscando el amor, pero la búsqueda debe empezar por uno mismo. La respuesta a tener una vida más libre y equilibrada es recordando que el amor tiene que ser un motor social e individual. Esta bien hablar de amor para generar más empatía como personas y como sociedad.”

 

Esta adaptación está basada en la recopilación “Del corazón y otras vísceras” de Alejandra Jurado, Juan Carlos Barreto y Mauricio Martínez, que contiene fragmentos de “Estudios sobre el amor” de Ortega y Gasset, “El arte de amar” de Erich Fromm y escenas del teatro de Ibargüengoitia, Lope de Vega, Jardiel Poncela, Shakespeare y otros autores. Cabe mencionar que la trayectoria de Robles incluye colaboraciones con José Solé, Miguel Sabido y Ludwik Margules, para la Compañía Nacional de Teatro, y en el ámbito televisivo como director de escena a lado de productores como Carlos Moreno, Giselle González y Salvador Mejía.

 

La propuesta de “Hablemos de amor” es escenificar fragmentos de autores reconocidos sin contar una historia lineal. Con las ganas de contar varias historias sobre el amor y que el público se sienta identificado con ellas, Alfredo Gatica, Michelle Jurado, Francisco Pizaña, Natalia Madera, Carlos Gatica, Lore Graniewizc y Fabrizio Grajeda, interpretan fragmentos de “Otelo” de William Shakespere, “Castigo sin venganza” de Lope de Vega, “Cyrano de Bergerac” de Edmond Rostand, o “Loco amor viene” de Jorge Ibargüengoitia para cuestionarse y reflexionar sobre el amor.

 

“El reto es sí hablar de amor pero no como la típica comedia a la que estamos acostumbrados sino hacerlo con diferentes escenas y tocando los clásicos del teatro como Shakespeare o Lope de Vega. Son escenas seleccionadas y es arriesgado porque no es E”l arte de amar” sino una reflexión del mismo.”

 

El proceso de trabajo ha sido un laboratorio donde el director les ha guiado a construir personajes distintos y de diferentes épocas teniendo oportunidad de trabajar por vez primera con textos clásicos. En éste, su primer montaje grupal, experimentan con técnicas provenientes de la danza, del clown, del combate escénico y del teatro físico, entre otras; con especial énfasis en el trabajo escrito sobre la voz y la palabra.

 

“Hablemos de amor” reivindica al amor en los tiempo actuales. Se propone seducir y confrontar con el enamoramiento, el deseo, la pasión, el odio, los celos y el hastío a través de autores que han tomado al amor como excusa para explorar la condición humana. Percibirán deseo, pasión, comicidad; un ambiente de cercanía con los actores.

 

Sus últimas funciones son este 12, 14 y 19 de diciembre en el Teatro Bellescene, ubicado en Zempoala 90 en la colonia Narvarte, a las 20:30 horas. Los boletos los puedes comprar en línea dando click aquí

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* Diseñadora gráfica, apasionada por mejorar el entorno conociendo y entendiendo lo que inquieta a los clientes. Con 9 años de experiencia en proyectos de identidad gráfica y editorial y 7 años en la comunicación y marketing de las artes. Entre lo logros que puede contar están fundar Distrito Teatral para ayudar a incrementar la demanda teatral y mostrar el teatro como una opción de entretenimiento. Hoy quiere crear nueva audiencia para los eventos culturales en www.salasllenas.mx

**El texto publicado es responsabilidad de su autor.
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Reseña: TODOS LOS PECES DE LA TIERRA

LA DIFICULTAD DE ADAPTARSE A UNA NUEVA VIDA
Por Johana Trujillo (jOtrujilloA)*

“¿Qué hacer cuando la vida te cumple un sueño que ya no sueñas?” Esa fue la frase que provocó mi deseo de ver “Todos los peces de la tierra” de Bárbara Perrín Rivemar. Me provocó la suficiente curiosidad de intentar responderme esa pregunta. ¿Y si lo que estoy haciendo ahora ya no es mi sueño?, me pregunté ese día. La siguiente curiosidad fue saber cómo dirigiría Alejandro Ricaño un texto que no escribió. “Todos los peces de la Tierra”, una obra inspirada en hechos reales, toma vida gracias a las actuaciones de Gina Martí y Adriana Montes de Oca usando como escenografía un columpio realizado por Ricardo Ricaño y la iluminación de Roberto Paredes.

Marina sueña con cantar como cantaba su mamá, para ver si así ella vuelve. Al conocer la playa, su padre descubre que es alérgica a los mariscos, misma que le provoca una desgracia en la garganta. Contra todo pronóstico, ha crecido con una voz maravillosa. Cuando su padre, un viejo lobo de mar, inicia una nueva relación huye de casa. Tras arreglarse su distanciamiento cinco años después, Mariana lo vería nuevamente, pero el mar se lo llevó. Ella irá a buscarlo hasta los rincones más recónditos del océano y el dolor. Su desaparición le dará un regalo y una lección para su vida futura.

“Vivir para alguien más hace que te vuelvas huérfano de ti mismo y eso es lo más duro de trabajar y reconocer en una pérdida. Aceptar una pérdida libera, no hay nadie para quien vivir y eso aterra. Somos seres que no estamos acostumbrados a la libertad.”, me dice Gina sobre porqué hacer este proyecto es importante para ella. Yo me quedó con la idea de recordar los deseos que faltan por cumplir porque una pérdida no es lo más importante que nos puede pasar en la vida.

Cuando tomé el metro para dirigirme al teatro, y evitar el estrés del tráfico de la Ciudad de México en un día lluvioso, tuve una revelación: me di cuenta que me estaba dando cuenta que me gusta ir al teatro porque al conocer historias me doy cuenta de cosas. Aprendo, reflexiono y me divierto a partir de lo que conversa o vive algún personaje. Eso es lo que #disfrutodelteatro: su capacidad de hacerme aprender, de revelarme cosas. ¿Tú que disfrutas de ir al teatro?

TODOS LOS PECES DE LA TIERRA
De Bárbara Perrín Rivemar
Dirección escénica: Alejandro Ricaño
Elenco: Gina Martí y Adriana Montes de Oca
Miércoles 8:30 pm. Del 24 de enero al 28 de marzo
La Teatrería (Tabasco 152, Roma)
Preventa $200
Recomendada para mayores de 12 años.
Duración: 60 min.
Foto: Pili Pala

* Diseñadora gráfica, apasionada por mejorar el entorno conociendo y entendiendo lo que inquieta a los clientes. Con 9 años de experiencia en proyectos de identidad gráfica y editorial y 7 años en la comunicación y marketing de las artes. Entre lo logros que puede contar están fundar Distrito Teatral para ayudar a incrementar la demanda teatral y mostrar el teatro como una opción de entretenimiento. Hoy quiere crear nueva audiencia para los eventos culturales en www.salasllenas.mx

**El texto publicado es responsabilidad de su autor.
DISTRITO TEATRAL es el amigo que te recomienda qué ir a ver de la cartelera teatral no comercial en la Ciudad de México. Creemos en el poder de la cultura para transformarnos al dar sentido a lo que vemos. #Amamoslacultura y #vamosalteatro a descubrir qué vale la pena ir a ver, compartir, recomendar y conversar de elllo. También entrevistamos a figuras clave de la escena en la Ciudad de México.

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Reseña: HAPPY

LA FELICIDAD COMO ESCUDO ANTE LA REALIDAD
Fredo Godínez (@AlfiePingtajo)


I
Una casa o apartamento adornado por piezas de arte contemporáneo son los elementos que puedo ver sobre el escenario. De pronto; entra a la casa un hombre que oscila entre los 40 y 45, empapado y con actitud tímida, gritando-preguntando: ¡¿Eduardo?! Ante el grito, aparece una mujer muy joven en toalla y exclama-pregunta: ¡¿Acaso eres un ladrón?! El individuo se queda helado, y la mujer le dice: ¡es broma! Enseguida el varón se presenta: soy Alfredo, el mejor amigo de Eduardo. Palabras más, palabras menos esa es la primera escena con la que comienza la puesta en escena: “Happy”.
Ese primer acto me hace pensar que estaré ante una obra donde el humor negro será el recurso discursivo al que recurrirá constantemente la obra, razón por la cual sé que me la pasaré muy bien.
So pretexto de que Alfredo (mejor amigo de Eduardo) y su esposa Melinda conozcan a Eva (su más reciente conquista), los ha invitado a cenar a casa, aparentemente ese es lev motiv de la obra. Sin embargo, conforme avanza la obra sabemos que hay otro motivo: descubrir por qué Alfredo es “jodidamente feliz”. A Eva le dan desconfianza las personas felices, pues le provocan la sensación de que algo esconden o de algo huyen. A Eduardo le interesa saber por qué su amigo es excesivamente feliz. Conforme avanza la reunión y a través de comentarios rudos, de actitudes que muestran total desinterés de Eva por la vida de los invitados y de bromas cargadas de humor negro; Eva busca hacer explotar a Alfredo y así comprobar su teoría: él no puede ser “jodidamente feliz”, simplemente se está escondiendo o huyendo de algo que lo está carcomiendo por dentro. Y ese descubrimiento le hará ponerle fin a una de sus obras: La Felicidad.

II
Conforme avanza la obra me voy clavando en la historia y es tanto mi interés que siento que estoy siguiendo de cerca a los personajes; al mismo tiempo me doy cuenta que no todo el público está listo para el humor negro, pues somos unos cuantos los que nos estamos riendo constantemente.
A lo largo de la obra me voy identificando con dos personajes: Eva y Alfredo. Eva es una mujer que vive combinando una absoluta tristeza y una monstruosa franqueza. El humor negro, la ironía y el sarcasmo son una especie de salvavidas que se ha inventado para convivir con el mundo y no morir ahogada en el mar de la soledad. Por otro lado, Alfredo es alguien que a todo le encuentra el lado positivo y que ha hecho como propias las alegrías de otros, y en el camino ha dejado a un lado sus sueños. De Eva me atrapa la forma en qué ve la vida, y otra parte de mí simpatiza con la forma de ser de Alfredo (curiosa ironía).
Han pasado poco de más de cinco años, desde que tuve mi crisis depresiva-ansiosa. A lo largo de los años he asistido a terapia psicológica y la vida me dio la oportunidad de venir a cumplir parte de mis sueños: vivir en la CDMX y trabajar en la Secretaría de Cultura. Sin embargo, no he logrado encontrar el completo equilibrio. No me he permitido ser “jodidamente feliz”, a pesar de tener muchos motivos para serlo y tampoco dejo de estar “excesivamente triste”. Unos días me paró en actitud Eva y es cuando tengo la creatividad a mayor flote; otros me siento como Alfredo, pero se esfuma mis ganas de escribir.

III
Desde que tengo memoria, siempre se me inculcó la idea de que estar triste es algo negativo. A eso le agregan el aún existe rol masculino: los hombres no deben llorar, porque eso los hace ver débiles. Un “auténtico” hombre no puede permitir que lo vean vulnerable. También, recuerdo, que se recordaba que llorar o sentirme mal por una decepción amorosa era malo y de poca monta; lo único por lo valdría la pena mostrarse triste es por reprobar una materia, perder el trabajo o la muerte de algún ser querido. En pocas palabras; mientras no hubiera un “verdadero” motivo para llorar, había que estar felices y sonrientes.
Conforme avanza los años, he aprendido que estar triste y vulnerable no te hace menos hombre y estar feliz tampoco te garantiza que el día a día será mejor.
Probablemente, la solución más sana es encontrar ese punto medio que nos permita convivir en sociedad, pues al final como decía Aristóteles somos politikos, animales sociales y necesitamos del otro para sobrevivir. Ya lo vimos el pasado 19-S. Pero, por otro lado, debemos tener la capacidad de ser nosotros mismos sin importar nada ni nadie y pelear, siempre, por nuestros sueños. Y cuando sea necesario darle cabida a la tristeza, al enojo, a la soledad, a la felicidad y reconocernos dentro de cada de uno de esos estados emocionales.
Y sí, discúlpeme Doña Celia Cruz, eso de que la vida es un carnaval es un discurso propio de Disney. La vida es un lugar de claroscuros y el humano es ese héroe -estudiado por Propp- que sale de casa en búsqueda de una doncella o de alguna u otra tarea y que en el camino recibirá todo tipo de lecciones; al final regresará a casa triunfante o no, pero con un nuevo aprendizaje que lo convierten en alguien distinto al que salió por primera vez de casa.

IV
Vaya a ver “Happy”, querido lector y descubra cómo prefiere vivir: siendo “jodidamente feliz” o existiendo, a pesar de todo, pero auténtico, original y sin darle importancia al “qué dirán”

-o-o-o-o-

“Happy”
Dramaturgia: Robert Caisley.
Dirección: Angélica Rogel.
Elenco: Pablo Perroni, Yuriria Del Valle, Pablo Bracho, *Ana González Bello y *María Penella. (*Alternando funciones).
Teatro Milán: Lucerna 64, Col. Juárez, Del. Cuauhtémoc
Lunes 8:30 PM, hasta el 1 de enero de 2018.

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WENSES Y LALA

¿QUÉ ES EL AMOR?

“Con esperanza y confianza”
Andrei Tarkovski

Por Viridiana Nárud @viridianaeunice

wenses-y-lala-cartelera

Un teatro pequeño es habitado por dos fuerzas escénicas. Teté Espinoza y Adrián Vázquez son dos jóvenes actores que gracias a su vasta trayectoria son capaces de ocupar éste espacio no sólo con gran técnica, sino también, con gran talento. “Wenses y Lala” es una obra de amor, donde los muertos cobran vida a través de sus recuerdos. Los cuales, no siempre son gratos.

Así que tenemos a dos personajes que desde un inicio se declaran muertos y no quieren sorprender al espectador con un giro en la historia. A través de sus memorias narran el amor que se tuvieron en vida, y, la nostalgia después de que la muerte los separara. Por lo tanto tenemos a la palabra como un referente temporal de la experiencia y no al cuerpo del intérprete como generador de imágenes en la psique del espectador, ya que la mayor parte del tiempo los actores se mantienen sentados en un banco de madera.

En un principio, debo confesar, uno se pregunta adónde va la historia, sin embargo, esos cabos sueltos se van entrelazando y formando una emoción dentro del espectador, que gracias a la palabra, que como hechizo conjura la mente del público; la iluminación y trazos escénicos específicos y sencillos, generan distintos escenarios. Los cuales fueron habitados por los personajes en vida y después de su muerte. Creando una atmósfera onírica donde Wenses y Lala son inmortales, no sólo por la concepción judeocristiana, —vida después de la muerte—también porque se vuelven una metáfora viva.

“Wenses y Lala”, nos hacen volver al origen y cuestionarnos ¿qué es el amor? No con una reflexión didáctica, que exhiba al público y sus males; sino a través de la compresión y cuestionamientos del autor acerca de este sentimiento llevándolo a escena. La palabra, en cuanto revela el símbolo muestra una relación con lo sagrado, nos hace comprender nuestra situación como sujetos amorosos. Sin duda, es un texto esperanzador que nos hace recordar que no es sólo el odio nuestro sentimiento más primitivo, sino también el amor.

Las interpretaciones de estos dos actores muestran la esperanza y confianza que el amor y sus adversidades puede crear. Tarkovski dice que “el actor es su propia obra de arte”, así que dejemos que estos dos seres nos sumerjan en sus identidades y búsquedas artísticas que son conmovedoras.

Wenses y Lala
Dirección y dramaturgia: Adrián Vázquez.
Intérpretes: Teté Espinoza y Adrián Vázquez.
Teatro La Capilla
Madrid 13, Del Carmen Coyoacán.
$250 general
Sábado 7pm y domingo 6pm
Del 1 al 17 de diciembre

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Reseña: LA ESPERA

LA COMPAÑÍA DE TEATRO PENITENCIARIO ASOMBRA
Por Viridiana Nárud @viridianaeunice*

Últimamente, antes de ir al teatro pienso cuánto dinero voy a gastar y si ese gasto va a ser retribuido en una sensación de satisfacción o enojo. No siempre fue así. Asistía a todo tipo de invitación porque creía que algo iba a pasar, pasó. El desencanto fue el principal protagonista. En esta ocasión, en un post de Facebook vi que Conchi León iba a presentar una obra en el Foro Shakespeare. Hacía unos meses me habían dicho que era una de las mejores directoras de México y tenía ganas de conocer su trabajo.

“La Espera” es el resultado de un laboratorio escénico con la Compañía de Teatro Penitenciario. Estaría encerrada en un minúsculo espacio con exconvictos de verdad. No actores representando ese papel; no, frente a personas que han cometido crímenes y que han sido juzgados por ellos. Escucharía sus historias entremezcladas con ficción y también de gran dolor. El prejuicio podría resultar en estorbo.

Conchi León permite que a través de un fino melodrama se narren cinco historias de cinco hombres golpeados por una sociedad y que han sido abandonados en el desamparo. Hemos visto noticias y sabemos de las torturas a las que son sometidos los presos. No sólo basta con aislarlos y humillarlos de forma física, también se trata de degradar el espíritu del hombre. ¿Pueden estos reos después de ser humillados como individuos resarcirse y unirse a la sociedad? ¿Qué no son las cárceles conocidas como las Universidades del crimen? ¿Existen sentimientos en un hombre que mató a otro? Las respuestas estaban en juego ya que el teatro es una expresión del espíritu humano y un asomo a sus verdaderos sentimientos.

“La Espera” resultó ser un asombro. Hombres dispuestos a entregar lo mejor de sí en escena a pesar de saber que la sociedad no les ha dado lo mejor. Espíritus no cristalinos, sino trastocados por la vida. Porque no hay nada que corrompa y eleve más al ser humano como la existencia. Con un nudo en la garganta me quedé. Todos y cada uno de los espectadores aquel día nos encontrábamos incrédulos ante lo que había sucedió frente a nosotros. Honestidad pura. No se asuste querido lector, no sólo llorará al ver esta obra, también reirá. Su corazón transitará por distintas emociones de una forma tan sutil que su intelecto se apagará por un instante, permitiéndose la máxima libertad de sentir.

LA ESPERA
Dramaturgia y dirección: Conchi León.
Interpreta: Compañía de Teatro Penitenciario
Funciones: Lunes, martes y jueves 8:30pm hasta el 29 de marzo de 2018.
Foro Shakespeare (Zamora 7, Condesa)
Costo $250

* Escritora por necesidad, teatrera por convicción. Ha trabajado como directora, dramaturga y productora teatral, ha presentado obras en foros alternativos como: El Trolebús Escénico, Foro Shakespeare, Pandeo, Lucerna… Muchas veces se ha preguntado el por qué habría de escribir. Llegó a una conclusión: la realidad no le es suficiente. Cree que el mundo exterior tiene que ser revelado a través de esclarecimiento de las ideas y por ello el ejercicio de la crítica es fundamental. Egresada de la Escuela de Escritores SOGEM.

**El texto publicado es responsabilidad de su autor.
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