LISISTRATA

MÁS RESPETO Y MENOS INGENUIDAD

Por Viridiana Nárud @viridianaeunice

lisistrata

Por segunda ocasión me encuentro con el autor Luis Santillán. La primera fue en la obra En el obligo en la Luna. En esa crítica hago una invitación a dejar la mediocridad ya que el teatro sirve para denunciar todo aquello que en la realidad no se puede expresar por temor o pudor a la sociedad. Continuaré bajo esta misma línea.

Los textos de este autor demuestran gran inocencia por su parte. Sin duda es un escritor que se atreve a sumergirse en la escritura sin siquiera entender un poco del tema y contexto político y social en el cual enmarca su obra y tampoco la realidad.

El argumento de Lsistrata es tomado de la obra homónima de Aristófanes, sólo que con muchas variantes. Habla de una huelga de sexo en contra de los hombres. ¿El objetivo? Que los hombres hagan lo que ellas quieran y poder alcanzar un poco de poder. El movimiento se encuentra encabezado por Lisistrata que poco a poco va perdiendo fuerza entre sus compañeras ya que, al parecer, las mujeres sólo piensan en penes enormes –que podemos ver en escena a manera de dildos– y coger. Y, como a los hombres de esta obra sólo les importa tener una mujer para tener la cena servida, la huelga de sexo se pierde en el primer momento ya que encuentran sustitutos entre sus amantes masculinos. El texto trata de hacer un recorrido de manera pobre por la historia del feminismo y cómo una mujer puede perder la vida por sus ideales. Siendo las misma mujeres las traicioneras.

No pienso abordar más en el tema. Sólo quiero hacer una breve invitación al dramaturgo a que haga una lectura minuciosa de feministas y mujeres que han tratado de dar a conocer una realidad social y política que nos concierne como humanos. P.ej. Virginia Woolf, Rosario Castellanos, Simone de Beauvoir, Emma Goldman, entre otras. No se puede abordar de manera tan insultante la lucha de las mujeres en contra de los feminicidios, por la equidad de género, del machismo, por tener un lugar en la sociedad, cuando a diario son asesinadas por ser mujeres.

Luis Santillán, por favor más respeto a las víctimas y menos ingenuidad.

Dramaturgia y dirección: Luis Santillán
Centro Cultural de la Diversidad.
Colima 267, col. Roma.
Todos los viernes 20:30 hrs
Hasta el 29 de mayo.

NEGACIÓN

ENTRE LA IMPOSIBILIDAD Y LA INOCENCIA

Y el público creerá en los sueños del teatro, si los acepta realmente como sueños y no como copia servil de la realidad, si le permiten liberar en él mismo la libertad mágica del sueño, que sólo puede reconocer impregnada de crueldad y terror.
Antonin Artaud.

Por Viridiana Nárud @viridianaeunice

negacion

‘Negación’, es una obra que trata la imposibilidad de una mujer por entender que detrás de la desaparición de su esposo e hijo en el mar está la muerte. Tras el encierro de días, la conciencia de esta mujer cobra vida y comienza a dialogar con ella para ayudarla a entender su realidad. Las actuaciones están a cargo de Guadalupe Damián y Diana Lein, quienes hacen un buen trabajo.

La dirección se encuentra a cargo de José Juan Meráz, quien trata de generar cuadros plásticos en escena. Sin embargo existen distintos factores que no permiten que su trabajo sea consumado. Uno de ellos es la reiteración del texto en escena. Lo cual provoca que el acto sea aburrido y poco propositivo. Es importante entender que para generar contrastes existen distintos tipos de montajes los cuales el director debe vincular. P. ej.: 1) Movimientos, los cuales crean ritmo y apoyados de calidades y cualidades de los intérpretes pueden generar un tiempo supuesto al real. 2) Combinaciones, los cuales se encuentran vinculados con la iluminación, escenografía y composición y 3) Intelectual, el cual apoyado de conceptos y metáforas pueden interpelar a la emoción e imaginación del espectador. Ninguno de estos conceptos se encuentran unidos en escena.

También es necesario considerar que el texto creado por Daniel de la O es reiterativo y que la hora y media que vemos en escena bien podría ser resumida en los últimos cinco minutos. La obra termina con una imagen, un tanto pretenciosa, de la protagonista viendo al mar y con música que sólo pretende reafirmar el sentimiento que no fue creado a través de la acciones de las intérpretes, del dramaturgo y del director. Para entender esto último voy a citar a Federico Fernández Díez: El poder evocador de la música, la concreción de la palabra que marca el sentido exacto del discurso, el realismo que aportan los ruidos de ambiente, el dramatismo del silencio, constituyen recursos expresivos que, como convenciones, deben ser usadas con eficacia y profesionalidad por los constructores de los mensajes audiovisuales.

‘Negación’, solamente reafirma la inocencia de muchos creadores. Hace falta rigor intelectual para llevar a las últimas consecuencias el quehacer teatral. El arte puede ser todo menos inocente.

Hasta el 16 de junio
Martes 20:30 hrs.
Teatro Helénico
Av. Revolución 1500. Metro Barranca del Muerto
Adolescentes y adultos
$150 general

SIN PARACAÍDAS

EL LABERÍNTICO RECORRIDO DEL INCONSCIENTE

Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

Sin paracaídas
Una mujer está al borde de la muerte. Sumergida en su tina, tiene solo cuatro minutos para decidir salvarse o morir.

Bajo esta premisa comienza un viaje al centro de la psique. Gabriela Ochoa (autora y directora del montaje) plantea tres personajes principales, con los cuales comienza un entramado que, entre otras cosas, cuestiona el planteamiento de los roles de género. “Sin paracaídas”, resulta ser un viaje onírico plagado de simbolismos y metáforas que trastocan la realidad, para finalmente dar paso a una explicación exacerbada y un tanto psicótica del amor, la pérdida, el desconsuelo y la toma de decisiones. Para tal efecto hace converger a: una azafata, una terapeuta y una mujer denominada como reptil, en una misma.

Ochoa plantea – en la inmensidad del teatro – un escenario bastante bien delimitado para la progresión de cada personaje. Además de lograr un espacio equilibrado con algunos elementos escenográficos. Envuelta en un tono surrealista, la farsa se desarrolla entre referencias freudianas y turbulencias caóticas que logran que la historia adquiera una personalidad muy bien definida. La mecánica entre cámara lenta y estrépitos casi simultáneos hacen que la dirección se vuelva ágil y efectiva. Lo cual crea en el público una expectativa constante. El aparente riesgo físico al cual están expuestos los personajes todo el tiempo, es un valor destacable y coadyuvante a la inestabilidad de la atmósfera. La dirección está diseñada definitivamente para ser impredecible de principio a fin.

El trabajo de los actores es plausible. Los cinco personajes se perciben construidos de manera concienzuda. Ello, desde luego, se convierte en una aportación imprescindible para que la convención surta efecto.

“Sin paracaídas” es una flagrante convulsión, un sueño, un Ernst, un viaje: es todo. Es la inmensidad creada y derruida en unos cuantos minutos.

SIN PARACAÍDAS
Dramaturgia y dirección: Gabriela Ochoa
Reparto: Gabriela Betancourt, Romina Coccio, Pilar Cerecedo y Alejandro Morales
Fotografía: Pili pala
Tetro el galeón del Centro Cultural del Bosque
Jueves y viernes 20:00hrs
Sábados 19:00hrs
Domingos 18:00hrs
Hasta el 03 de Mayo
Entrada general $150.-

*Actor, dramaturgo, teatrero.

EL ÙLTIMO ENCUENTRO

Un último desencuentro
Artemisa Téllez* (@artemisatellez)

ultimoEncuentro

Ser uno en el otro: ser el espejo doble y nítido de la amistad. Crecer cara a cara, enfrentados, creyendo que lo que se tiene es valioso, incorruptible, eterno…

El último encuentro es una obra acerca del desgarramiento causado por una amistad traidora y la necesidad de venganza mediante el uso del arma más punzante posible: la verdad.

Basada en la novela homónima del escritor húngaro Sándor Márai y adaptada para la escena por Cristopher Hampton, esta puesta explora en la frustración, decepción y recelo que genera la pérdida de una amistad y en el enfrentamiento, cuarenta años después, de sus protagonistas.

La historia, construida en una tensión casi insoportable, no deja espacio para respirar: cada nuevo diálogo constituye una revelación más obscura del lazo que une a los personajes de una manera tan estrecha que no les permite separarse aunque se odien. Miedos, mentiras y secretos aparecen como pinceladas ante nuestros ojos y nos presentan un paisaje desolador: dos soledades que teniéndose sólo una a la otra, se repelen.

Bajo la dirección de Raúl Quintanilla, Sergio Klainer (Henrik) impresiona, conmueve y deja sin palabras a los espectadores que lo ovacionaron de pie.

El último encuentro es una obra para todos aquellos que perdieron a alguien que consideraban fundamental y que sin embargo, viven…

Hasta el 31 de mayo
Miércoles a viernes 20 hrs. Sábados 19 hrs. Domingos 18 hrs.
Teatro Juan Ruiz de Alarcón
Centro Cultural Universario
Adolescentes y adultos
$150. 50% Maestros, estudiantes e INAPAM. Jueves de teatro $30

*Escribidora, tallerista y teatrohólica

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SOMOS BEAT

BELLOS NIÑOS ÁCIDOS

Artemisa Téllez* (@artemisatellez)

somosbeat

¿Cómo fue la vida de los beat en México? ¿Cómo y por qué hicieron el insólito viaje al sur? ¿Qué buscaban? ¿Qué encontraron? ¿Qué los encontró?

Somos beat se enfoca principalmente en tres de los poetas de la generación: Gingsberg, Kerouak y Burroughs, en su relación con nuestro país, con la droga, la poesía y la amistad epistolar entre los dos primeros.

Podemos conocer la vida y obra de estos tres jóvenes beatnicks y su búsqueda creativa a través de imágenes, metáforas visuales, baile, cartas, canciones, fragmentos de poemas (algunos en su lengua original) y mucho, mucho jazz.

La musicalización hecha con un trío que toca en vivo da al espectáculo una calidez y honestidad totalmente envolventes.

Más que una obra, una experiencia, Somos beat es una aventura a la que hay que adentrarse sin expectativas ni juicios previos.

Hasta el 27 de abril
Lunes, 20:30 hrs.
Foro El Bicho
Colima 268, Roma Norte.
Adolescentes y adultos

*Escribidora, tallerista y teatrohólica

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EL CUERPO ENAMORADO

UNA BÚSQUEDA HONESTA

“Vivir felices, todos lo quieren, pero andan a ciegas tratando de averiguar qué es lo que hace feliz una vida; y hasta tal punto no es fácil alcanzar la felicidad en la vida que, cuanto más apresuradamente se dejan llevar hacia ella, tanto más se alejan si se desvían del camino.”
Séneca

Por Viridiana Nárud @virdianaeunice

CuerpoEnamorado

Los artistas deben afrontar un colosal reto: darle, año, tras año, generación tras generación, un nuevo sentido, nos dice Thomas Ostermeier. Bien es cierto que el arte se encuentra en cambio constante ya que es expresión del alma y pensamiento de sus intérpretes y en ocasiones de generaciones. Por ello es importante, al menos en la creación teatral, cuestionarse acerca de los efectos que tienen los temas y formas en los que son representados.

El teatro está en crisis. Eso se ve expresado en los teatros y espacios emergentes cada vez más vacíos. Con el pretexto de atraer nuevos espectadores, el teatro ha sumado a su creación nuevas formas, artes y tecnologías para mantenerse vivo. Sin embargo, a pesar de todos sus esfuerzos, pareciera que algo está fallando. No logra comunicarse con el espectador de hoy. Esto no se debe a que la realidad sea inasible, sino que es el artista el que no puede retratarla.

En los últimos años, la creación teatral adoptó las “teorías” del postdrama y las del performance – pongo entrecomillas la palabra teoría ya que esa manera de hacer teatro siempre ha existido, sólo tendríamos que dar un vistazo a las vanguardias, sólo que no pienso detenerme en eso- sin embargo, este rompimiento de las estructuras clásicas nos ha alejado de contar historias a través de las palabras. Pero ha ganado una manera de contar algo a través de las figuras. La figura, según Barthes, está circunscrita (como un signo) y es memorable (como una imagen o un cuento). Una figura se funda si al menos alguien puede decir: ¡Qué cierto es!

He escrito esto es para tratar de entender aquello que sucede en la puesta en escena de ‘Un cuerpo enamorado’, comedia-happening que trata de abordar la problemática de la monogamia y el poliamor. Tomando en cuenta la obra del filósofo Michel Onfray que formula un proyecto hedonista ético. En su libro ‘La teoría de un cuerpo enamorado,’ Onfray busca promover un tipo social de eros (Para los griegos dios del sexo y amor), que se desprenda de las múltiples trabas del cristianismo y la sociedad normalizada lo tiene sometido, proponiendo que el género es impuesto por la sociedad, el cual va a determinar su destino. Invita a reencontrarse con la sensualidad, la cual está presente desde que nos hallamos en el vientre materno y olvidarnos gracias a las normas sociales que no son naturales al hombre.

Bajo esta premisa El Laboratorio de Investigación escénica “El atorón” trata de poner en jaque al espectador. Sin embargo, a pesar de generar un discurso honesto por parte de los laboratoristas, se pierden en un hedonismo el cual deja de tener sentido ya que no significa nada. ¿Qué trato de decir con esto? La primera intervención es una coreografía que se asemeja a un ritual de reproducción: macho corteja hembra. Después los movimientos o figuras –las cuales ya hablamos hace un momento– tratan de alargarse dentro de la escena por satisfacción hedonista de los intérpretes y no hacen un juicio crítico de la escena para decir “basta, ya enunciamos lo que queríamos. Continuar sería perder el sentido.” Cosa que sucede.

Sin duda, los intérpretes de esta comedia-happening tratan de decir algo ya que su discurso es honesto. Como laboratorio es un experimento que aún está en proceso. Si quieren pasar un buen momento evocando de manera moderna las fiestas dionisiacas asistir sería una buena opción.

Termino con lo siguiente: La tarea del artista es dotar de sentido a todo pensamiento e idea que quiera transmitir. Su trabajo es para hoy, su búsqueda no deber ser en escena, sino en los ensayos, en la escritura, en los días previos al estreno. No trato de decir que al montarse una obra esta deba de abandonar nuevos motores de búsqueda, el teatro es un arte vivo por ello su continua transformación, sólo que pienso que es necesario dar más estructuras que permitan al creador comunicar de una manera asible, poética y estética su intención al espectador. ‘Un cuerpo enamorado’, es una búsqueda honesta y como laboratorio está bien. Sin embargo, es necesario que dé el siguiente paso y pueda dejar atrás el hedonismo del intérprete para comunicar de una manera clara su mensaje. La libertad de amar sin prejuicios sociales.

Dónde: Un teatro. Av. Nuevo León 246, col. Condesa.
Cuándo: Los viernes 9 p.m. Del 20 de marzo al 1 de mayo.
Dirección escénica: Luis Escárcega.
Dramaturgista: Diana Reséndiz.
Elenco: Israel Cabrera, Julieta Cano, Karen Orozco, Omar García/ Luis Escárcega.

MENELAO RAPSODIA

ENTRE EL DOLOR Y LA VENGANZA
Artemisa Téllez* (@artemisatellez)

menelao

Menelao, rey de Esparta, estadista, guerrero y noble, hombre poderoso, superhumano, se encuentra ebrio, perdido y frágil: su corazón de hierro parece no resistir el abandono de su esposa Helena, la mujer que al elegirlo lo elevó primero al trono de un reino y a la cima de la pasión y la dicha y luego lo hundió la insospechada miseria del desamor y la humillación ¿Por qué huyó Helena? ¿En verdad se enamoró de Paris? ¿Nunca quiso a Menelao? ¿Fue su lujuria insaciable, la ineficiencia de él como amante, el deseo de aventura lo que la empujó a tierras troyanas?

A lo largo de su delirante discurso, Menelao regresará a todos los momentos significativos de su relación con Helena, nos llevará consigo a los pasajes que marcaron su historia, a la intimidad de su vida en común en la que no repara ninguna mitología ni ningún texto anterior. Menelao rapsodia es un monólogo que teje en el vacío que dejan La Odisea, Las troyanas y Helena, no desde la visión del bardo, sino desde el protagonista: un Menelao destrozado que se debate entre el dolor insostenible de la pérdida y la sed de venganza de un rey.

El texto, original del actor y dramaturgo francoarmenio Simón Abkarian, es de elevada poesía y juega además con el elemento rapsódico (fragmentos de una canción o poema ensamblados o insertos en una obra mayor), ya que la “obra mayor” se obvia y se convierte en el telón de fondo para presentar este drama emocional tan esplendorosamente matizado.

Dirigida y actuada magistralmente por Nicolás Sotnikoff, Menelao rapsodia es una alegoría de la omnipotencia del amor y de la rebelión de un hombre ante la injustificada violencia de la despedida que hace que la audiencia toda suspire, se emocione y rompa en lágrimas, en una verdadera kátharsis trágica.

Hasta el 13 de abril
Lunes, 20:30 hrs.
Foro Shakespeare
Adolescentes y adultos
$180

*Escribidora, tallerista y teatrohólica

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EN EL OMBLIGO DE LA LUNA

DESPIERTEN A UN EJERCITO DE MUERTO

ombligo

Hombres, os he amado. ¡Estad alerta!
Julius Fucik

Por Viridiana Nárud* (@viridianaeunice)

En el año 2005 Lydia Cacho publica ‘Los demonios del Edén’, en este libro se da conocer una red que opera la pornografía y prostitución infantil. A partir de su publicación comienza una serie de acosos y censura en contra de la periodista. En ese mismo año, Cacho, fue acusada ante las autoridades del estado de Puebla por el empresario mexico-líbanes Kamel Nacif Borge por los delitos de difamación. Años después, en el 2012, Lydia Cacho, sale de México a causa de amenazas de muerte directas.

En su libro escribe sobre el abuso y comercio de menores, dando a conocer nombres de empresarios como Jean Succar Kuri quien, en la actualidad, puede llegar a ser liberado debido a la omisión de una firma de un magistrado. Es importante recordar cómo este empresario vivó en Cancún y tenía un hotel el cual era destino turístico para pederastas. Hay al menos 200 víctimas según evidencia judicial; él aparece junto con su mujer violando a niñas, grabando esa pornografía y compartiéndola con clientes y amigos suyos, incluso compartía a estas niñas con políticos y empresarios reconocidos.1

Todo esto es para introducirnos muy brevemente al tema del comercio y explotación sexual infantil. Tema, que trata de abordar la obra ‘En el ombligo de la luna’ con poco éxito. Inicia con un video de una mujer, que parece más una niña, invitando de manera sensual, al cibernauta a que ponga más crédito para verla desnuda. Con el propósito de comprarse unas nuevas botas de marca. Al notar que deja de tener éxito, invita a una de sus compañeras de escuela a bailar frente a la cámara. Con el fin de tener más dinero y comprar cosas. La trama se vuelve confusa, el escritor con ingenuidad nos muestra a diferentes personajes para tratar de hilar una historia llena de intrigas y juegos de poder. Lo cual no se logra ya que muestra a personajes muy endebles y poco complejos. Como la madama drogadicta, que inhala cocaína en el cuello de una extranjera y se la pasa bebiendo. Otro ejemplo es la periodista que se infiltra de manera muy sencilla al mundo de la mafia de la trata de personas y quien a ser descubierta no hace nada para negarlo. También están las “niñas” que se prostituyen sólo por ambición. En general es una obra que no hila bien su tejido y queda toda hecha nudos, lo que impide al espectador ver qué es lo que en realidad se quiere decir.

Por otra parte, la dirección se encuentra llena de lugares comunes. Niñas vestidas de colegialas; una madama vestida en lencería, violaciones con un palo, música “sensual” que pone a bailar a las actrices para desnudarse de manera injustificada en escena. Es necesario reflexionar acerca del dolor de todas las personas, ya sean niños/as, mujeres, hombres… que han sido abusados sexualmente. Jamás una puesta en escena podrá acercarse al dolor de estas víctimas. Con esto, no quiero decir que no deba de exponerse estos temas en el teatro, sin embargo, cuando se aborden deben ser meticulosamente estudiados y tratar de decir algo más allá del morbo.

En el ombligo en la luna, es un texto ingenuo que no muestra un punto de vista crítico ya sea a favor o en contra de los pederastas. Tampoco queda claro el papel de las víctimas y victimarios o si alguno de estos existe en realidad.

En momentos por los cuales pasa la política mexicana en donde periodistas son asesinados y despedidos por decir la verdad, y donde un expresidente pide resignación y olvido, no se puede dibujar a una periodista donde lo único que expone, y al parecer no vale nada, es la vida. Si es bueno o corrupto, no importa, pero que muestre algo.

El teatro sirve para denunciar todo aquello que en la realidad no se puede expresar por temor o pudor a la sociedad. Y, cuando se hace uso de la fuerza teatral se activan fuerzas que revelan en la psique del individuo –ya sea de manera consciente o inconsciente- una nueva manera de ver la vida. Por ello es importante y necesario que los directores, dramaturgos, escenógrafos, actores y todos los involucrados en el quehacer teatral, tomen conciencia que todo aquello pronunciado arriba de un escenario es un acto político y no meramente artístico. Sobre todo cuando se trata hacer un teatro de denuncia.

Señores, es necesario y urgente que todo aquello que se enuncie en un escenario tenga la fuerza para despertar a un ejército de muertos. Son las palabras las que crean el pensamiento. No seamos mediocres y nos quedemos a medias. Mucha gente ha dado y está dispuesta a dar la vida con tal de dar a conocer la verdad. Así que díganla.

Dirección: Guillermo Revilla.
Dramaturgia: Luis Santillán
Dónde: Foro el Bicho. Colima 268, col. Roma.
Cuándo: Viernes 8:30 pm
Breve temporada del 10 de marzo al 24 de abril.

*Escritora por necesidad, teatrera por convicción. Ha trabajado como directora, dramaturga y productora teatral, ha presentado obras en foros alternativos como: El Trolebús Escénico, Foro Shakespeare, Pandeo, Lucerna… Muchas veces se ha preguntado el por qué habría de escribir. Llegó a una conclusión: la realidad no le es suficiente. Cree que el mundo exterior tiene que ser revelado a través de esclarecimiento de las ideas y por ello el ejercicio de la crítica es fundamental. Egresada de la Escuela de Escritores SOGEM.

MELVILLE EN MAZATLÁN

VOUYERISTA ENTRAÑABLE

Artemisa Téllez* (@artemisatellez)

melville

El yo que fuimos frente al yo que seremos: el joven deseoso y deseante, el viejo melancólico y experto, ambos en los límites sinuosos de la impotencia creativa. Uno quiere escribir, tiene mucho que contar, pero no sabe cómo; el otro ya ha sufrido y la página en blanco le resulta cada vez un espacio más amargo que llenar. Tal vez sólo se solaza en los recuerdos quien muy pocos tiene.

Melville en Mazatlán es el diálogo imaginario que se da entre el Herman Melville de veintiocho años y el Herman Melville de sesenta en algún lugar de Nueva York, por supuesto con el mar de fondo. Ahí el célebre autor de Moby Dick rememorará sus expediciones y dará a conocer la relación -no siempre lineal y directa- entre su biografía y su producción literaria.

Sin más personajes que sí mismo, ni más recursos que la palabra y el paisaje, los espectadores somos llevados y traídos por las experiencias, emociones y motivaciones de este hombre de letras y mar.
La excelente escenografía y los efectos visuales y de sonido nos transportan a los siete mares, a los barcos, puertos e islas distantes donde transcurre esta aventura.

Escrita por Vicente Quirarte y dirigida por Eduardo Ruiz Saviñon, Melville en Mazatlán es una puesta emotiva e interesante que nos deja con la refrescante sensación de que la vida puede ser un viaje épico.

Hasta el 31 de mayo
Miércoles a viernes a partir de 20, Sábados 19 y domingos 18 hrs.
Sor Juana Inés de la Cruz, CCU
Adolescentes y adultos
$150. 50% maestros, estudiantes e INAPAM
Jueves de teatro $30

*Escribidora, tallerista y teatrohólica

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GUITARRAS POR METRALLAS

EL ECO DE UNA RÁFAGA
Artemisa Téllez* (@artemisatellez)

guitarraspormetrallas

En un zulo escondido en algún lugar del nunca más ancho y más largo país en el que vivimos se encuentran dos hermanos aprehendidos por cantar. Se dice que en los estuches de sus guitarras transportan armas, se intuye que los secuestradores representan algún poder que ellos criticaron o transgredieron.

Su encuentro emotivo y desafortunado, su encierro, diálogo y sus posibles torturas y muertes nos obligan a mirar de cerca la realidad dolorosa de nuestra propia vulnerabilidad en momentos en que la paz social se ve quebrantada por el tiránico miedo a la protesta.

Mel Pacheco, autora de esta brevísima obra, trae a nosotros una historia dolorosa y cruda ante la cual será imposible quedar incólumes.

Hasta el 19 de abril
Jueves y viernes a partir de 20, Sábados 19 y domingos 18 hrs.
Roble 3, Santa María la Ribera
Adolescentes y adultos
$60

*Escribidora, tallerista y teatrohólica

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