Y EL DESEQUILIBRIO

Por Viridiana Nárud (@viridianaeunice)

Si bien es cierto que cada puesta en escena cambia por los actores, el director, el escenógrafo y los múltiples factores que la integran; es necesario hacer una pausa y, reflexionar sobre lo que sucede antes y después de un montaje que ya ha visto la luz con éxito, como lo es el caso de ‘Cuerdas’.

Cabe mencionar que el montaje pasado, dirigido e interpretado por Richard Viqueira, hacía un encuentro entre los actores, el texto y el espacio vacío. Lo cual provocaba que las fuerzas del texto y los actores detonaran en escena. Este hecho fue aplaudido por la crítica y bien recibido por el público. En el caso de Antonio Serrano, director encargado de esta nueva puesta en escena, nos encontramos ante una escenografía poco actual que nos hace pensar en los años noventa y sus luces neón.

Desde un inicio uno se siente un poco desconcertado al enfrentarse con esta obra que en su publicidad muestra a tres actores apuestos con vestimenta sobria. Lo que encontramos en escena es a tres actores, interpretando a tres personajes con personalidades muy distintas mostradas en el cartel.

‘Cuerdas’ habla del rencuentro entre tres hermanos, hijos de un equilibrista quien ha decidido retirarse debido a una grave enfermedad. En el aeropuerto, los hermanos poco a poco van revelando secretos que creían ya olvidados. El viaje los transforma y los acerca hasta cierto punto, con la promesa de volverse a ver.
La dirección de Antonio Serrano es poco atractiva y efectista. La dirección de actores ha hecho que uno de ellos, José María Yazpik, se muestre simplón ante el público y reciba risas en cada acto. Este hecho no es que sea malo, simplemente, nos enfrentamos a un actor que deja de exigirse a sí mismo para recurrir a técnicas efectistas a cambio de unas risas. También cabe mencionar que Luis Roberto Guzmán, es un actor que se ha dado a conocer por aceptar papeles que salgan un poco de la convención comercial, y se ha mostrado interesado por trabajar en teatro y salir de su zona de confort. Sería necesario mencionarle al actor que sólo deje al personaje vivir y no se preocupe por cómo suena su voz en el teatro. En el caso Osvaldo Benavidez, es un actor que se muestra tibio en escena, cómodo.

Lo interesante en este caso, es escuchar al público que ha sobrevalorado el trabajo de estos actores y se ha vuelto poco exigente. Definitivamente, esta puesta en escena nos deja mucho que pensar. ¿El público realmente va al teatro para ver una obra, o sólo asiste a él para ver a los actores que ven en tele? ¿Es el actor más visto en tele al que el público reconoce su trabajo?

Es necesario decir, que la fuerza dramática de ‘Cuerdas’, se pierde ya que su director no supo interpretar el vacío existencial por el cual atraviesan estos personajes, y optó por luces color neón, aviones a escala en escena y actuaciones técnicas y poco sentidas.
Si usted, espectador, sólo disfruta de ver a sus actores favoritos cerca de un escenario, es una obra que no se puede perder.

CUERDAS
Dirección: Antonio Serrano.
Dramaturgia: Barbara Colio.
Actuaciones: José María Yázpik, Luis Roberto Guzmán y Osvaldo Benavidez.
Teatro López Tarso en Centro Cultural San Ángel
Av. Revolución 1733 Esq. Francisco I. Madero, Col. San Ángel, México, DF 01000
Viernes 20:30 hrs, sábado 19:00 y 20:30 hrs y domingo 17:00 y 18:30 hrs

*Escritora por necesidad, teatrera por convicción. Ha trabajado como directora, dramaturga y productora teatral, ha presentado obras en foros alternativos como: El Trolebús Escénico, Foro Shakespeare, Pandeo, Lucerna… Muchas veces se ha preguntado el por qué habría de escribir. Llegó a una conclusión: la realidad no le es suficiente. Cree que el mundo exterior tiene que ser revelado a través de esclarecimiento de las ideas y por ello el ejercicio de la crítica es fundamental. Egresada de la Escuela de Escritores SOGEM.

Todo cambio es un cambio de tema
César Aira

1.12 es la fecha de la ya olvidada protesta antipeñanieto. Si algunos no lo recuerdan es el día en que nuestro presidente Enrique Peña Nieto tomó el poder y surgieron marchas y una ola de arrestos injustificados. Esta obra presenta a diez mujeres en escena las cuales tratan de dar voz a toda la ciudadanía mexicana. Existe la niña fresa, la periodista, la extranjera, las hermanas que se unieron por curiosidad, la vendedora del metro, etc.

La obra tiene distintas problemáticas que se deben a su estructura dramática. Nos enfrentamos a una incomodidad brechtiana. Nos presenta a personajes llenos de ira, cegados por ella donde la raíz de este sentimiento es el mal gobierno, sus detenciones injustas y torturas. Es cierto que a cualquiera le molestaría –por decir una palabra capaz de publicarse y no faltar a los buenos modales– ser arrebatado de su libertad y derechos. Sin embargo, no existe un componente crítico que haga un balance entre estos relatos y pareciera que quieren inducir al espectador a un modelo de pensamiento. Además de que algunas historias llegan a caer en lo inverosímil.

¿Por qué lo veo cómo un problema y no un acierto? Porque poner al teatro al servicio de algo, como las revoluciones, los movimientos sociales, e incluso, al gobierno, hace que el autor pierda una consciencia crítica que es esencial para un teatro de denuncia. Citando a Robert Wilson, quien puso el dedo en la llaga en la Cuatrienal de Artes Escénicas de Praga: “el teatro es para levantar interrogantes y no ofrecer respuestas.” ¿Cómo levantar interrogantes cuando sólo se presenta un lado de la historia?

Las actuaciones de la mayoría de sus intérpretes son buenas y contenidas. En ocasiones descuidan las voces y llegan a gritar. La dirección de David Psalmon es cuidada y gracias al trabajo de escena y de actores podemos encontrar en esta obra algo más que un discurso panfletario. Alguna vez Tarkovski dijo que el artista y su obra deberían de encontrarse intrínsecamente unidas. Psalmon, busca dar voz al extranjero que ha sido adoptado por un país, por un colectivo y por un público, a través de sus puestas en escena. ‘1.12’ no es la excepción.

Vale la pena ver el trabajo de estas mujeres en escena que tratan de dar voz a todos los sin rostro; a los que vivimos en silencio e indignación ante un gobernante que posa para la revista ¡Hola! con una primera dama que no sabe comportarse ni en su país ni en el extranjero. México tiene memoria gracias a su trabajo en colectivo, a su arte, a sus periodistas a sus protestas que tratan de silenciar día a día. El teatro es la memoria de un pueblo. Al menos, tratan de escribir historia.
Dirección: David Psalmon

Con: Idalí Osanaya, Paola Córdova, Leonora Cohen, Miriam Romero, Melanie Borgez, Itzé Mota, Mariana Morado, Viviana Amaya, Karla Sánchez, Karim Torres.
De: Mariana Montero y Paulina Villaseñor
Dónde: Foro la Gruta. Centro Cultural Helénico. Av. Revolución 1500
Cuándo: Miércoles 8:30 pm
Costo: $150.00

TODA SUSTANCIA PROCEDE DEL AUTOR
Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

A partir de la obra “Romeo & Julieta” de William Shakespeare, Berta Hiriart, Sandra Félix y Ángeles Hernández escriben una paráfrasis de carácter policiaco que busca esclarecer la muerte de sus protagonistas. Para que la acción surta tal efecto, el montaje se sirve de retrospectivas y declaraciones hechas por sus propios personajes.

La estética escénica es muy atractiva y en esos terrenos, el diseño escenográfico de Philippe Amand propone un gran panel blanco y modular que se secciona y adapta a las necesidades de cada escena. Su trabajo resulta fascinante y coadyuva a la construcción de atmósferas. La propuesta modernista se apoya del diseño de iluminacion – también realizada por él- para finalmente captar la atención del público de manera inmediata. Por otra parte, el ya distintivo sello en el diseño de vestuario de Mario Marín del Río dota a los personajes de una identidad precisa.

A pesar de que todos estos elementos logran converger en escena y pueden bien percibirse, el objetivo de la obra se contrapone al discurso de Shakespeare. La sustancia presente en la tragedia se ve afectada y finalmente se diluye en un tono de comedia que no favorece el fin: la deseada paráfrasis del texto.

Para ser claro en tal conderación, es menester extraer del programa de mano un fragmento (escrito por las autoras) que bien podría dar respuesta al tratamiento que le fue conferido en aras de llegar a un público joven: ” Shakespeare la tomó de sus antecesores. Ahora, la tomamos nosotras , con humildad, pero sin reverencia, y la entregamos al público desde una visión que busca iluminar cierta veta inexplorada de la tragedia.”

Me atrevo a afirmar que esa “no reverencia” a la que se refieren, haya animado a Félix a entonarla de manera poco conveniente y generar en su público un extravío que finalmente culminara en la vanalización del texto. Quizá la necesidad de hacer de la obra un teatro más asequible al espectador haya terminado por atropellar el discurso de una de las obras más importantes del autor isabelino.

Citando a Dullin, quien afirma que, “Toda sustancia procede del autor”, a consideración personal, este montaje no logra que esa sustancia llegue a todo el público.

“EL CASO ROMEO Y JULIETA”
De: Berta Hiriart, Sandra Félix y Ángeles Hernández
Dirección: Sandra Félix
Reparto: Ana Isabel Esqueira, Andrés Weiss, Carlos Orozco, David Calderón, Rodrigo Alonso, Israel Islas, Teresa Rábago, Marco Antonio García, Mariana Giménez, Ana Ligia García.
Hasta el 26 de Julio
Funciones:
Jueves y viernes 20:00 Hrs
Sábados 19:00 Hrs
Domingos 18:00 Hrs
Teatro Julio Jiménez Rueda
(Avenida de la Rep #54)
Entrada libre

* Actor / Dramaturgo / Teatrista
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